Mamá

   Mama es una película de terror hispano-canadiense dirigida por Andrés Muschietti y protagonizada por Jessica Chastain y Nikolaj Coster-Waldau. Fue estrenada en los Estados Unidos el 18 de enero de 2013. Fue producida por J. Miles Dale y Bárbara Muschietti, Guillermo del Toro oficia como productor ejecutivo. Está basada en el cortometraje en idioma español Mamá, el cual fue también realizado por Muschietti y estrenado en el año 2008. 
   Un hombre de negocios mata a varios de sus socios y a su distante exesposa y luego huye junto a sus dos hijas: la joven Victoria y la pequeña Lilly. Después de recorrer un remoto camino lleno de nieve, se estrella contra unos árboles y lleva a las niñas a una abandonada cabaña que encuentra cerca de ahí. Se prepara para matar a sus hijas y luego suicidarse, pero a último momento es asesinado por una extraña figura que habita la cabaña. Victoria mira la figura, pero solo divisa una sombra, ya que sus gafas se rompen en el accidente.
   Cinco años después, el tío de las niñas, Lucas (Nikolaj Coster-Waldau), sigue buscando a su hermano y a sus sobrinas en compañía de su novia, Annabel (Jessica Chastain). La búsqueda finaliza con el hallazgo del automóvil estrellado y las niñas en la cabaña. A esas alturas, Victoria y Lilly se comportan completamente como animales y son puestas en terapia psiquiátrica con el Dr. Dreyfuss (Daniel Kash). Existe una disputa legal por la custodia de las niñas entre Lucas y una adinerada tía por parte materna llamada Jean (Jane Moffat). La corte cuestiona la capacidad de Lucas y Annabel para criar a dos niñas en un pequeño apartamento, dadas sus necesidades especiales. Sabiendo que no podrá monitorear el progreso de las niñas si se van con su tía al otro lado del país, el Dr. Dreyfuss recomienda a Lucas y a Annabel como guardianes legales de las niñas con la condición de que se muden a un hogar especialmente acondicionado para realizar estudios psiquiátricos.
   De allí en adelante los sucesos que sería mejor no adelantar, varían desde lo policíaco, lo paranormal y el drama; y es quizás este último punto el que más extrañeza nos provoque y divida en opiniones. El suspenso de vieja escuela (con demasiados sustos de golpe, pero con poco suspenso), se mantiene acá tal vez como excesivo recurso, dando paso en los minutos finales a la sensacion de que algo se desvanece en una mezcla confusa de terror y drama que no termina de cuajar bien, dejando un leve gustillo de decepción  en su conclusión.
   A pesar de todo es un buen ejercicio de oficio, que tal vez debió centrarse un poco más en lo que sugería, y no tratar de abarcar tanto en tan poco metraje. Eso dejemoselo a los maestros.

Los Naufragos de Alfred Hitchcock

   Lifeboat, conocido en castellano como 8 a la deriva (Argentina) y Náufragos (España) es la película número 32 dirigida por Alfred Hitchcock
   Fue rodada en Estados Unidos en 1944 y producida por los estudios Twenty Century Fox. El rodaje se llevó a cabo íntegramente en los estudios, añadiéndoles las correspondientes transparencias de mar y cielo.
La película fue incomprendida en su estreno y tras él Hitchcock se dedicó a contribuir al esfuerzo de guerra, dirigiendo dos películas propagandísticas.
   Un barco norteamericano es torpedeado por un submarino alemán. Los supervivientes logran refugiarse en un pequeño bote salvavidas: los supervivientes son una periodista de moda, Constance Porter (Tallulah Bankhead), un ingeniero (John Hodiak), un industrial adinerado (Henry Hill), una enfermera (Mary Anderson), un marino herido (William Bendix), un camarero negro (Canada Lee) y una mujer inglesa (Heather Angel) que lleva en brazos el cadáver de su hijo. La situación se hace más compleja con la llegada al bote de un capitán alemán.
   Una vez más el maestro del suspenso nos brinda una magnifica muestra de como hacer de cualquier evento una situacion especial de tension, en donde afloran nuestras pasiones mas ocultas y  nuestros verdaderos miedos tras las caretas que como sociedad nos creamos nosotros mismos.

    Es sin lugar a dudas un gran experimento visual y de estilo que no debe dejar de verse

The Avengers; del comic a la realidad

  Desde hacia años (que mas bien parecieron siglos) que esperábamos la realización del filme que reuniría a los mas famosos sino emblemáticos superheroes de Marvel como Iron Man (2008), El Increible Hulk (2008), Iron Man 2 (2010), Thor (2011) y Captain America: The First Avenger (2011). La película está escrita y dirigida por Joss Whedon y cuenta con un reparto coral, que incluye a Robert Downey Jr., Chris Evans, Christ Hemsworth,  Ton Hiddleston, Samuel L. Jackson, Scarlett Johansson, Jeremy Renner, Mark Ruffalo y Cobie Smulders. Los Vengadores, cuenta la historia de Nick Fury, director de la organización de vigilantes de la paz S.H.I.E.L.D, que recluta a estos superheroes, a quienes se suma Black Widow y Hawkeye para salvar al mundo de su destrucción.
  El desarrollo de Los Vengadores comenzó cuando Marvel Studios recibió una subvención de Merryll Lynch en abril de 2005. Tras el éxito de la película Irin Man , Marvel anunció que Los Vengadores sería lanzada en julio de 2011. Con la firma de Scarlett Johansson en marzo de 2009, la película se pospuso para un lanzamiento en 2012. Whedon fue llevado a bordo en abril de 2010 y reescribió el guión que fue escrito originalmente por Zak Penn. La producción comenzó en abril de 2011 en Albuquerque, Nuevo Mexico antes de pasar a Cleveland, Ohio en agosto y Nueva York en septiembre.
  El comic nace en el año1963 en contraposicion a la liga de la justicia de D.C. comics y no precisamente con los mismos personajes de la actual película (los que fueron reunidos por ser los mas populares y universales)
La historia de los Vengadores es compleja, la presencia de Hulk y su hijo en esos primeros números es practicamente anecdótica y apológica, no habiendo vuelto a formar parte del grupo de forma oficial, y aunque se uniera a posteriori de la primera misión del grupo el Capitán América es considerado a día de hoy uno de los miembros fundadores del mismo, formando junto a Thor y Iron Man la icónica "Trinidad Vengadora", que se define como los tres personajes fundamentales del equipo.
Una de las característica que diferencia a los Vengadores de cualquier otro grupo de superhéroes es que son reconocidos internacionalmente por su heroísmo y responsabilidades con el pleno apoyo de casi todas las naciones del planeta, e incluso en su momento financiados por la ONU, para los que a menudo desempeñan misiones y operaciones de rescate. A pesar de esto, no es un "grupo de Estado(s)", de respuesta gubernamental, y muchas ocasiones se han visto enfrentados a los intereses políticos (como durante el evento Lazos de sangre que unía al grupo con los X-Men en Genosha o en el evento Cinil War donde Capitán América lideraría una escisión del grupo contraria a la "Ley de Registro Superhumano", una clara alegoría y crítica a la política de Bush JR. post-11s y el "Acta Patriótica" que promulgó en su administración). Lo cierto es que podría contemplarse al grupo como un club de modernos aventureros (y, ante todo, amigos), habiendo sido su primera sede social la majestuosa Mansión Stark, con sus propias normas e incluso carnet de membresía, conscientes de sus responsabilidades para con el mundo y la necesidad de unir sus fuerzas frente a amenazas a las que solos no podrían enfrentar.
   El director ejecutivo de Marvel Studios, Avi Arad anunció por primera vez los planes para desarrollar una película de los Vengadores en abril de 2005 después de que Marvel Enterprises declaró su independencia por un pacto con Merrill Lynch para producir una serie de películas que serán distribuidas por Paramount Pictures. El plan del estudio consistió en liberar películas individuales de los personajes principales, para establecer su identidad y familiarizar al público con ellos, antes de fusionarlos juntos en una película de los Vengadores. Marvel Studios anunció en julio de 2007 que el guionista Zak Penn, quien escribió El increíble Hulk, había sido contratado para escribir la película y que se titularía The Avengers. Penn confirmó su participación, pero no creía que el trabajo comenzaría pronto, y tenia completa razón ya que se debieron lidiar con una huelga de trabajadores del cine, decisiones comerciales, convencer a varios directores de que debían participar por un bien común.
  Con un estimado de $250,000,000 de presupuesto, el rodaje comenzó al fin el 25 de abril de 2011 en Albuquerque, Nuevo México, con el rodaje programado para rodar en Cleveland, Ohio y en Nueva York. Al día siguiente, Paul Bettany confirmó que volvería a ser la voz del asistente computarizado de Tony Stark, JARVIS. En mayo de 2011, Gwyneth Paltrow afirmó que ella podría posiblemente aparecer muy brevemente en la película como Pepper Potts. También en mayo, Stan Lee confirmó a través de su cuenta de Twitter que va a tener un cameo en la película. En junio, el doble Jeremy Fitzgerald se lesionó la cabeza al intentar un truco en la participación de una caída de un edificio de 30 pies después de ser golpeado por una flecha. Un portavoz de Marvel más tarde dijo a TMZ.com que "Fitzgerald estaba bien. Se deslizó brevemente a lo largo del lateral del edificio. Se puso de vuelta y se llevó varios más". En julio de 2011, se informó que el rodaje secundario se llevó a cabo alrededor de una hora fuera de Pittsburg, Pennsylvania en el área de Butler.
  En agosto de 2011, la producción se trasladó a Cleveland, Ohio, durante cuatro semanas. La calle East 9th de la ciudad fue elegida como doble de la calle 42nd de Nueva York para ser utilizada en las escenas de la batalla climática. Los Soldados del Ejército asignados a la Reserva de Colombus, Ohio, 391o Batallón de Policía Militar sirvieron de fondo durante las escenas de batalla en Cleveland. El sargento Michael T. Landis declaró que el uso de soldados reales le dieron a las escenas más realismo y ayudaron a retratar al ejército en un espectro mas luminoso; otras escenas fueron filmadas en la planta de sistema del sistema de propulsión de Chevrolet en Parma, Ohio, como parte de la secuencia de la batalla que se inició en Clevaland. Escenas de la película también recibieron disparos en la plaza pública y el Puente Superior de Detroit. El cuadrante suroeste de la plaza pública se convirtió en Stuttgart, Alemania, para la filmación.
  En septiembre de 2011, la producción se trasladó a Nueva York durante dos días para terminar el rodaje. Los lugares de rodaje de Nueva York incluyeron Park Avenue y Central Park.
  La película ha causado gran espectacion por ser la primera vez que se reunan en una película de gran presupuesto varios superheroes de diferentes historias, algo solamente visto en Comics y añorado por décadas.
  Y el resultado es sorprendente. Sin perder de vista la raíz literaria de la historia, el director nos entrega una película muy entretenida, vivaz y con unos diálogos formidables en donde nos damos cuenta que unir a este grupo de egos no es fácil. La primera mitad del filme nos muestra la maldad del personaje villano de turno además de centrarnos en la unión del grupo, para lo que es necesario haber visto todas las cintas anteriores ya que no se toma tiempo en contarnos algo que ya sabemos de cada uno de ellos y a lo que se hace referencia constantemente dándonos así la idea de un solo universo global de los personajes. La segunda mitad del filme brilla con luz propia gracias a un maravilloso 3D. en donde los planos secuencia sobre los aires de la ciudad en medio de la batalla nos dejan sin aliento.

  El cine en si es espectáculo, entretención, y he aquí el gran valor de la película. Es entretención pura, bien hecha, noble y que no toma al espectador como un idiota sino que como alguien que es capaz de seguir desde años un cuento que finaliza (¿o comienza?) en esta cinta.

Como aprender a apreciar una pelicula : Código fuente

Colter Stevens (Jake Gyllenhaal, 1980) se despierta en un tren a toda velocidad sin la más mínima idea de cómo ha acabado allí. Sentado frente a él se encuentra una guapa joven llamada Christina (Michelle Monaghan), una mujer a la que no conoce, aunque ella sí le conoce. Tras refugiarse en los baños del tren, se sorprende al ver en el espejo el reflejo de otro hombre, además de tarjetas de credito y documentos en su billetera que pertenecen a un profesor de historia llamado Shawn Fentress. Posteriormente una gran explosión hace saltar por los aires el tren.
Inmediatamente después, Colter se ve transportado a una unidad de aislamiento de alta tecnología, donde una mujer con uniforme militar llamada Colleen Goodwin (Vera Farmiga) exige que le cuente todo lo que ha visto en el interior del tren. Colter se encontraba en una peligrosa mision para identificar a un terrorista que había destruido pocas horas antes un tren y que tiene previsto matar a millones de personas con una explosión mucho más potente en pleno centro de Chicago. Un avanzado programa de secreto, cuyo nombre en clave es Código Fuente, permitirá existir brevemente a Colter en una realidad paralela, para así poder saber quien hizo el atentado.
Cada vez que regresa al tren, Colter dispone de tan solo 8 minutos para descubrir la identidad del peligroso terrorista. Poco a poco irá descubriendo nuevas pistas y se dará cuenta de que puede evitar la explosión del tren en la ciudad de Chicago, a no ser que se agote el tiempo.
Duncan Zowie Haywood Jones (1971), también conocido como Zowie Bowie o Joey Bowie, es un director de cine británico ganador del premio BAFTA mayormente conocido por la película "Moon" por la que obtuvo gran renombre en el mundo cinematográfico, que se ha encargado de entregarnos una muy entretenida pequeña joya del cine actual. Concisa, justa, clásica y sobre todo, verdaderamente asombrosa en su planteamiento ciencia-ficción humanista que aunque parezca un simple entretenimiento al principio, con el avanzar de la historia nos damos cuenta que como cuento narrado, es verdaderamente inteligente.
  Los tiempos usados por este thriller son los precisos para adentrarnos en una historia que nos mantiene atentos mientras avanza el relato, la edición está al borde de la sobria perfección, y nuevamente nos damos cuenta de la gran importancia de una muy efectiva banda sonora (en este caso, Chris Bacon)
  Hay que verla como historia entretenida, y si además desean aprender a apreciar una película, no hay que dejar de fijarse en el sinfín de detalles que nos llevan hacia el sorpresivo final.

Como aprender a apreciar una pelicula : El avispon verde

  Si bien es cierto que en anteriores capítulos he dicho que siempre hay algo que rescatar de cualquier obra filmica, sinceramente es muy difícil encontrar algo bueno en esta producción, y no exagero.
Recordemos que "The green Hornet" (El avispón verde), nació como un programa de radio de los años 30 en continuación al éxito obtenido por El llanero Solitario por esos mismos años(de hecho es de los mismos realizadores), para luego convertirse rápidamente en serie de television y de historietas. Con el paso de los años y ya cerca de los 90` y pasando al 2000, muchas veces se anunció su realización hasta que el 2010 al fin se concretó el ansiado proyecto.
Britt Reid (Seth Rogen) es el hijo del magnate de los medios más prominente y respetado de L:A:, y es perfectamente feliz manteniendo una vida sin dirección, de fiesta en fiesta, hasta que su padre (Tom Wilkinson) muere misteriosamente y hereda a Britt su vasto imperio mediático. Britt entabla una inusitada amistad con uno de los empleados más trabajadores, fieles e inventivos de su padre, Kato (Jay Chou) y ellos ven la oportunidad de hacer algo significativo por primera vez en sus vidas: combatir el crimen. Para acercarse a los delincuentes, diseñan la cobertura perfecta: aparentan ser criminales. Protegiendo la ley mientras la rompen, Britt se convierte en el vigilante Avispón Verde cuando él y Kato recorren las calles.
Usando todo su ingenio y habilidad, Kato construye el más avanzado armamento retro, The Black Beauty, un automóvil indestructible con una potencia de armas de fuego igual a sus caballos de fuerza. En una fortaleza móvil sobre ruedas y venciendo a los tipos malos con los inteligentes dispositivos de Kato, El Avispón Verde y su asistente empiezan a ganarse un nombre rápidamente; con la ayuda de la nueva secretaria de Britt, Lenore Case (Cameron Diaz), emprenden la caza del hombre que controla el brutal bajo mundo delictivo: Benjamin Chudnofsky (Christoph Waltz). Pero Chudnofsky tiene planes propios: aplastar a El Avispón Verde de una vez por todas.
Michel Gondry (1963), es un director francés que había destacado por un innovador estilo. Dedicado en su mayoría a los clips para variadas bandas y cantantes, se suponia que era el adecuado para llevar al cine la historia del millonario empresario periodístico. Lamentablemente la película dista mucho de tener estilo propio y cae sorprendentemente en los mas típicos, repetidos y manidos trucos sacados de un libro para hacer una película. Nada es nuevo y nada es novedoso.
Para colmo, Seth Rogen (1982) es un mediocre comediante y actor canadiense que se esfuerza toda la película en hacer de esta historia, algo para el lucimiento personal. Sin verdadero carisma ni simpatía, la película hace reír a quienes tienen el mismo nivel intelectual del protagonista.
En este caso es difícil rescatar algo, pero como no todo esta perdido, podemos rescatar las buenas secuencias de acción clásica (sin computador de por medio me refiero), que se desarrollan en las persecuciones automovilisticas y en la secuencia final. Lastima que esto  llega demasiado tarde, solo al final de la cinta.

Como aprender a apreciar una pelicula : Algo de historia básica

  El cine fue oficialmente inaugurado como espectaculo en Paris, el 28 de diciembre de 1895. Desde entonces ha experimentado una serie de cambios en varios sentidos. Por un lado, la tecnología del cine ha evolucionado mucho, desde el primitivo cinematografo mudo de los hermanos Lumierè, hasta el cine digital del siglo XXI. Por otro lado, ha evolucionado el lenguaje cinematográfico, incluyendo las convenciones del género, creando así los generos cinematograficos. En tercer lugar, ha evolucionado con la sociedad, surgiendo así distintos movimientos cinematograficos y cinematografías nacionales.
Por un tiempo, el cine fue considerado una atracción menor, incluso un número de feria, pero cuando George Méliès usó todos sus recursos para simular experiencias mágicas, creando rudimentarios -pero eficaces- efectos especiales, los noveles realizadores captaron las grandes posibilidades que el invento ofrecía. De esta manera, en la primera década del siglo XX surgieron múltiples pequeños estudios fílmicos, tanto en Estados Unidos como en Europa. En la época, los filmes eran de pocos minutos y metraje, trataban temas más o menos simples, y tanto por decorados como por vestuario, eran de producción relativamente barata. Además, la técnica no había resuelto el problema del sonido, por lo que las funciones se acompañaban con un piano y un relator . Pero en este tiempo surgieron la casi totalidad de los géneros cinematográficos (ciencia ficcion, historicas o de epoca); el género ausente fue, por supuesto, la comedia musical, que debería esperar hasta la aparición del cine sonoro.
En E.E.U.U. el cine tuvo un éxito arrollador, por una peculiar circunstancia social: al ser un país de inmigrantes, muchos de los cuales no hablaban ingles, tanto el teatro como la prensa o los libros les estaban vedados por la barrera idiomática, y así el cine mudo se transformó en una fuente muy importante de esparcimiento y entretencion.
Oliendo este negocio, y basándose en su patente sobre el kinetoscopio, Thomas Alva Edison intentó tomar el control de los derechos sobre la explotación del cinematógrafo. El asunto no sólo llegó a juicio, de Edison contra los llamados productores independientes, sino que se libró incluso a tiro limpio. Como consecuencia, los productores independientes emigraron desde Nueva York y la costa este, donde Edison era fuerte, hacia el oeste, recientemente pacificado. En un pequeño poblado llamado Hollywood, encontraron condiciones ideales para rodar: días soleados casi todo el año, multitud de paisajes que pudieran servir como locaciones, y la cercanía con la frontera de Mexico, en caso de que debieran escapar de la justicia. Así nació la llamada Meca del Cine, y Hollywood se transformó en el más importante centro cinematográfico del planeta.
Suele hablarse de cine mudo, de la época silente o muda, y esto no es del todo exacto aunque es cierto que las proyecciones no podían por sí mismas sino mostrar imágenes en movimiento sin sonido alguno. Pero las proyecciones en las salas iban acompañadas de la música tocada por un pianista o una pequeña orquesta y además comentada por la voz de un explicador, imprescindible figura que hacía posible que multitudes analfabetas o inmigrantes desconocedores del idioma entendieran la película. Además las productoras encargaban partituras originales para sus películas más prestigiosas, con lo que al cine ya sólo le faltaba hablar, pero se tenía ya la concepción de una obra creada entre la imagen y el sonido. El cine mudo, en realidad, mudo del todo, en cierto modo no era.
En esos años, la técnica de contar una historia en imágenes sufrió una gran evolución. Los primeros cineastas concebían al cine como teatro filmado. En consecuencia, los escenarios eran simples telones pintados, y se utilizaba una cámara estática. A medida que pasó el tiempo, los directores aprendieron técnicas que hoy por hoy parecen básicas, como mover la cámara (por ejemplo, el travelling) o utilizarla en ángulo picado, contrapicado), pero que en esa época eran ideas revolucionarias. También se pasó desde el telón pintado al escenario tridimensional, por obra especialmente de los filmes historicos rodados en Italia en la década de los años diez ("Quo vadis?" o "Cabiria").
Dos cineastas fueron claves en este proceso. En Estados Unidos, David W. Griffith, con "El nacimiento de una nacion" e "Intolerancia", cambió el cine para siempre, hasta el punto que se afirma que con él nace de verdad el lenguaje cinematográfico. En la Union Sovietica, otro tanto realiza Sergèi Eisenstein, con películas claves como "El acorazado Potemkin" u "Octubre", entre otras; a Eisenstein se le debe el llamado montage de atracciones, que busca mezclar imágenes chocantes para provocar una asociación emocional o intelectual en el público. Gracias a ellos, y a los expresionistas alemanes ya mencionados, el lenguaje fílmico alcanza su madurez en la década de 1920.
El cine, como manifestación artística, cuenta con diversos movimientos o corrientes a lo largo del siglo XX. Las escuelas estéticas constituyen un conjunto de movimientos expresivos innovadores de la historia del cine. En algunos casos, supone la ruptura con los estilos anteriores, sobre todo del cine clásico de Hollywood, y en otros casos suponen un desarrollo de los estilos predecesores. El cine de vanguardia, supone una ruptura en la narrativa del cine convencional. Junto con la literatura y el arte dominaron el primer tercio del siglo XX. Las corrientes vanguardistas cuestionan los modos tradicionales de producción, difusión, exhibición y consumo de los objetos artísticos; y recurren a cuestiones relativas a la modernidad.
En cuanto al cine, se diferencian tres etapas en el movimiento vanguardista. En primer lugar, se encuentra el cine impresionista, representado por Abel Gance y René Clair. En segundo lugar está el cine surrealista francés y el cine abstracto alemán. Por último, se halla el cine independiente o documental.
El cine sonoro es aquel que incorpora en las películas sonido sincronizado o tecnológicamente aparejado con la imagen. Por su parte el cine mudo es aquel que no posee sonido, consistiendo únicamente en imágenes. Antes de la existencia del cine sonoro los cineastas y proyectistas se habían preocupado de crearlo, pues el cine nace con esa voluntad. Raras veces se exhibía la película en silencio. Por ejemplo, los hermanos Lumière, en 1897, contrataron un cuarteto de saxofones para que acompañase a la proyección de la película en su local de París. Hacia el año 1926, el cine mudo había alcanzado un gran nivel de desarrollo en cuanto a estética de la imagen y movimiento de la cámara. Había una gran producción cinematográfica en Hollywood y el público se contentaba con las películas producidas. No se exigía que los personajes comenzaran a hablar, ya que la música aportaba el dramatismo necesario a las escenas que se proyectaban en pantalla.
Los primeros experimentos con el sonido en el cine llegaron de la mano del físico francés Démeny, quien en 1893 inventó la fotografía parlante. Charles Pathé, combinó fonógrafo y cinematógrafo. En la mísma época, León Gaumont desarrolló un sistema de sonorización de películas, que presentó en la Exposicion Universal de Paris de 1902. La película sonora más exitosa fue "El cantante de jazz" (1927) en la que Al jolson se inmortalizó pronunciando las palabras inaugurales: «ustedes aún no han escuchado nada». Ante el éxito, pronto todos los grandes estudios montaron sus propias peliculas sonoras, y el cine mudo quedó olvidado.
La aparición del cine sonoro introdujo grandes cambios en la técnica y expresión cinematográfica, por ejemplo: la cámara perdió movilidad quedando relegada a la posición fija del cine primitivo y la imagen perdió su estética cediéndole importancia al diálogo. Los actores también se vieron implicados en este cambio técnico. Algunas grandes estrellas fílmicas de Hollywood vieron naufragar sus carreras ante su mala dicción, su pésima voz o su excesiva mímica. Debido a esto surgieron nuevos actores en su reemplazo. Una película que retrata esta transición del cine mudo al sonoro es el famoso musical "Cantando bajo la lluvia" (1952).
Quizás el único de los grandes del cine mudo que siguió haciendo filmes sin sonido fue Charles Chaplin como "Tiempos Modernos" (1936). Sin embargo, a partir de 1940 comienza a realizar películas con sonido, la primera de las cuales es "El gran dictador".

como aprender a apreciar una pelicula

"La belleza está en los ojos del que mira"
Mucha razón tiene ese dicho. Todo lo bello y hermoso es circunstancial e inherente al observador. Lo que es lindo para unos, no necesariamente es para otros; lamentablemente los gustos no son parejos y las discusiones de lo que se vé son eternas. En "como aprender a apreciar una pelicula" trato de aunar criterios y ayudarles a reconocer la belleza en diferentes cintas. La variedad de filmes nos hace pensar que es muy difícil, pero teniendo las herramientas de conocimiento, de saber, de reconocer lo que se está observando, nos dice lo contrario. No todas las películas tristes son buenas ("La vida es bella"), ni todas las películas de grandes presupuestos son de calidad("Troya")
El pensar que una gran superproduccion tiene el Olimpo ganado es un error del porte del Titanic (perdón por la comparacion), ya que muchas veces mas es menos. Mientras más elementos le agregas a una película, lo mas seguro es que tendrás un despropósito enorme.
La gran belleza que nos dán los cortos o mediometrajes radica en que en poco tiempo deben ir directo al grano en lo que deben decir. Con los minutos contados, cada plano cuenta, pero si la historia es buena, profunda y merece una mayor refleccion, tenemos la obligación de prestarle mayor atención.
Por lo general nos fijamos en los demás sin preocuparnos de nuestros propios defectos; o simplemente no nos damos el tiempo para conocer a alguien realmente sin importar sus defectos. Sobre eso nos habla el cortometraje del 2009 "The Butterfly Circus", del realizador Joshua Weigel y ganador del concurso anual de cortos que organiza www.thedoorpost.com anualmente. Con un mensaje de esperanza, de motivacion y de reto personal, nos conmueve hasta lo mas profundo sin dejar de hacernos sentir avergonzados por nuestras conductas para con los demás. Todos siempre reclamamos por algo superfluo, banal y que realmente no importa, pero este corto nos dice lo contrario valiéndose de un estupendo protagonista que debe aprender  primero a quererse a sí mismo, para luego hacerse valer como persona.
Mención aparte la historia del protagonista en la vida real, Nick Vujicic.

Recuerden siempre. "Es mejor encender una vela, que maldecir la oscuridad"

Hachiko : como aprender a apreciar una pelicula

Si bien el ejemplo anterior fué algo antiguo en su filmacion, no deja de sorprendernos la utilizacion de los planos y tiempos visuales por Chaplin. Ya en esos tiempos tenían claridad los directores sobre los encuadres y primeros planos, así como los tiempos de duración de una imagen en la pantalla para probocar al espectador.
Los tiempos visuales son los que nos mantienen alerta y nos internan más y más en la historia. Pero en caso del cine, además de imagen y movimiento, no nos debemos olvidar que también es sonido.
Desde antes de la incorporación formal del mismo a las cintas, su imporatancia ya era notoria ya que estas se proyectaban muchas veces con sonido directo de alguna orquesta o músico. La historia nos lleva por diferentes realizadores y bandas sonoras que dan énfasis a las imagenes a través de los minutos de proyección con su música, que como alguien dijo "La música es el alma de una película que nos llega a través de los oídos". Como olvidar las inmortales melodías de "Lo que el viento se llevó" (Victor Fleming, 1939) o de "La Mision",(Roland Joffé, 1986)
Cuando actualmente vemos una película, los estilos musicales ya han sido definidos hace muchos años por decenas de creadores que nos han acostumbrado vía repetición a los sonidos que nos mecerán de seguro; Y nuevamente vamos a los mismos recursos utilizados con las imagenes: sonidos lentos y cadenciosos para la pena, notas sostenidas y repentinas para el miedo y terror, o notas chispeantes y movidas para la comedia.
Hace un tiempo tube la pena de ver (digo la pena ya que lloré como niño), la película de Lasse Hallstrom "Hachiko: A dog´s story" (2009), una bellisima historia basada en un hecho real de 1934, pero actualizada a los días recientes. Además de ser una historia triste en sí, la utilizacion de los recursos dramáticos es notoria y esclarecedora para quienes (llanto de por medio) deseen aprender a apreciar una película. Las imagenes son preciosamente acompañadas con una muy solida banda sonora de Jan A.P. Kaczmarek, basada básicamente en un melódico solo de piano.
Los tiempos musicales y visuales se hacen mucho mas notorios hacia el final de la cinta, especialmente en los momentos en que el can (tienen que verla), camina lentamente hacia la estación de trenes casi al final de sus días, en unas tomas que desgarran el corazón y nos damos cuenta como nos han manipulado de la mejor manera, lo que quiere decir que la película cumplió plenamente su objetivo.
En las siguientes imagenes, un verdadero regalo para la vista y para los oídos de mi hacia ustedes. Que lo gocen y lo disfruten y les sirva realmente para aprender sobre la belleza de la vida.