Colter Stevens (Jake Gyllenhaal, 1980) se despierta en un tren a toda velocidad sin la más mínima idea de cómo ha acabado allí. Sentado frente a él se encuentra una guapa joven llamada Christina (Michelle Monaghan), una mujer a la que no conoce, aunque ella sí le conoce. Tras refugiarse en los baños del tren, se sorprende al ver en el espejo el reflejo de otro hombre, además de tarjetas de credito y documentos en su billetera que pertenecen a un profesor de historia llamado Shawn Fentress. Posteriormente una gran explosión hace saltar por los aires el tren.
Inmediatamente después, Colter se ve transportado a una unidad de aislamiento de alta tecnología, donde una mujer con uniforme militar llamada Colleen Goodwin (Vera Farmiga) exige que le cuente todo lo que ha visto en el interior del tren. Colter se encontraba en una peligrosa mision para identificar a un terrorista que había destruido pocas horas antes un tren y que tiene previsto matar a millones de personas con una explosión mucho más potente en pleno centro de Chicago. Un avanzado programa de secreto, cuyo nombre en clave es Código Fuente, permitirá existir brevemente a Colter en una realidad paralela, para así poder saber quien hizo el atentado.
Cada vez que regresa al tren, Colter dispone de tan solo 8 minutos para descubrir la identidad del peligroso terrorista. Poco a poco irá descubriendo nuevas pistas y se dará cuenta de que puede evitar la explosión del tren en la ciudad de Chicago, a no ser que se agote el tiempo.
Duncan Zowie Haywood Jones (1971), también conocido como Zowie Bowie o Joey Bowie, es un director de cine británico ganador del premio BAFTA mayormente conocido por la película "Moon" por la que obtuvo gran renombre en el mundo cinematográfico, que se ha encargado de entregarnos una muy entretenida pequeña joya del cine actual. Concisa, justa, clásica y sobre todo, verdaderamente asombrosa en su planteamiento ciencia-ficción humanista que aunque parezca un simple entretenimiento al principio, con el avanzar de la historia nos damos cuenta que como cuento narrado, es verdaderamente inteligente.
Los tiempos usados por este thriller son los precisos para adentrarnos en una historia que nos mantiene atentos mientras avanza el relato, la edición está al borde de la sobria perfección, y nuevamente nos damos cuenta de la gran importancia de una muy efectiva banda sonora (en este caso, Chris Bacon)
Hay que verla como historia entretenida, y si además desean aprender a apreciar una película, no hay que dejar de fijarse en el sinfín de detalles que nos llevan hacia el sorpresivo final.
lunes, 11 de julio de 2011
miércoles, 6 de julio de 2011
Como aprender a apreciar una pelicula : Temple de acero (2010)
El western es uno de los géneros cinematográficos más populares del cine estadounidense. La palabra western, originalmente un adjetivo derivado de west («oeste», en inglés), se sustantivó para hacer referencia a las obras, fundamentalmente cinematográficas que estuviesen ambientadas en el antigua Oeste estadounidense.En principio una película se incluiría en este género simplemente por estar situada su acción en un contexto determinado: la exploración y el desarrollo del territorio occidental de los E.E.U.U. durante el siglo XIX. Sin embargo con el tiempo las características de dicho contexto histórico se fueron extendiendo a los personajes de esas historias, condicionando su modo de vida y definiendo su idiosincrasia. Al estar las películas muchas veces ambientadas en territorios inexplorados o indómitos bajo la amenaza latente del ataque de los indios, o en ciudades sin ley en las que los bandidos campaban a sus anchas, el género se fue enfocando hacia la confrontación de los diversos personajes, adquiriendo un carácter cada vez más psicológico.
Su mayor gloria fue a mediados de los años 50 y anteriores, pero con el tiempo y el natural desgaste, casi desapareció de las salas de cine.
Temple de acero es una película escrita y dirigida por los hermanos Coen y es la segunda adaptación de la novela escrita por Charles Portis, la cual fue adaptada al cine por primera vez en 1969, protagonizada por John Wayne. La película es protagonizada por Hailee Steinfeld como Mattie Ross y Jeff Bridges como el Alguacil Reuben J. "Rooster" Cogburn junto a Matt Damon, Josh Brolin y Barry Pepper.
La historia en pocas palabras es la de Mattie Ross (Hailee Steinfeld), una chica de 14 años de edad, emprende una búsqueda para vengar la muerte de su padre a manos de un vagabundo llamado Tom Chaney. Ross convence a un oficial de policía, alcohólico y con sobrepeso, llamado "Rooster" Cogburn (Jeff Bridges) para que se le úna en su búsqueda de Chaney. LaBouef, un ranger de Texas que también persigue a Chaney, se unirá a la caza.
Con esta simple premisa, los hermanos Cohen nos entregan una muy buena referencia al cine de cowboys con mucho respeto y cariño. En este caso y como antes he explicado, se toman el tiempo necesario para introducirnos en una historia de crecimiento y redención por parte de los personajes principales. Lentamente y con solida pulcritud visual nos guían nuevamente hacia un antaño de melancólicos e inhóspitos paisajes.
Mención aparte la música inspiradora y la maravillosa fotografía fría y bellamente dura.
Su mayor gloria fue a mediados de los años 50 y anteriores, pero con el tiempo y el natural desgaste, casi desapareció de las salas de cine.
Temple de acero es una película escrita y dirigida por los hermanos Coen y es la segunda adaptación de la novela escrita por Charles Portis, la cual fue adaptada al cine por primera vez en 1969, protagonizada por John Wayne. La película es protagonizada por Hailee Steinfeld como Mattie Ross y Jeff Bridges como el Alguacil Reuben J. "Rooster" Cogburn junto a Matt Damon, Josh Brolin y Barry Pepper.
La historia en pocas palabras es la de Mattie Ross (Hailee Steinfeld), una chica de 14 años de edad, emprende una búsqueda para vengar la muerte de su padre a manos de un vagabundo llamado Tom Chaney. Ross convence a un oficial de policía, alcohólico y con sobrepeso, llamado "Rooster" Cogburn (Jeff Bridges) para que se le úna en su búsqueda de Chaney. LaBouef, un ranger de Texas que también persigue a Chaney, se unirá a la caza.
Con esta simple premisa, los hermanos Cohen nos entregan una muy buena referencia al cine de cowboys con mucho respeto y cariño. En este caso y como antes he explicado, se toman el tiempo necesario para introducirnos en una historia de crecimiento y redención por parte de los personajes principales. Lentamente y con solida pulcritud visual nos guían nuevamente hacia un antaño de melancólicos e inhóspitos paisajes.
Mención aparte la música inspiradora y la maravillosa fotografía fría y bellamente dura.
lunes, 4 de julio de 2011
Como aprender a apreciar una pelicula : El avispon verde
Si bien es cierto que en anteriores capítulos he dicho que siempre hay algo que rescatar de cualquier obra filmica, sinceramente es muy difícil encontrar algo bueno en esta producción, y no exagero.
Recordemos que "The green Hornet" (El avispón verde), nació como un programa de radio de los años 30 en continuación al éxito obtenido por El llanero Solitario por esos mismos años(de hecho es de los mismos realizadores), para luego convertirse rápidamente en serie de television y de historietas. Con el paso de los años y ya cerca de los 90` y pasando al 2000, muchas veces se anunció su realización hasta que el 2010 al fin se concretó el ansiado proyecto.
Britt Reid (Seth Rogen) es el hijo del magnate de los medios más prominente y respetado de L:A:, y es perfectamente feliz manteniendo una vida sin dirección, de fiesta en fiesta, hasta que su padre (Tom Wilkinson) muere misteriosamente y hereda a Britt su vasto imperio mediático. Britt entabla una inusitada amistad con uno de los empleados más trabajadores, fieles e inventivos de su padre, Kato (Jay Chou) y ellos ven la oportunidad de hacer algo significativo por primera vez en sus vidas: combatir el crimen. Para acercarse a los delincuentes, diseñan la cobertura perfecta: aparentan ser criminales. Protegiendo la ley mientras la rompen, Britt se convierte en el vigilante Avispón Verde cuando él y Kato recorren las calles.
Usando todo su ingenio y habilidad, Kato construye el más avanzado armamento retro, The Black Beauty, un automóvil indestructible con una potencia de armas de fuego igual a sus caballos de fuerza. En una fortaleza móvil sobre ruedas y venciendo a los tipos malos con los inteligentes dispositivos de Kato, El Avispón Verde y su asistente empiezan a ganarse un nombre rápidamente; con la ayuda de la nueva secretaria de Britt, Lenore Case (Cameron Diaz), emprenden la caza del hombre que controla el brutal bajo mundo delictivo: Benjamin Chudnofsky (Christoph Waltz). Pero Chudnofsky tiene planes propios: aplastar a El Avispón Verde de una vez por todas.
Michel Gondry (1963), es un director francés que había destacado por un innovador estilo. Dedicado en su mayoría a los clips para variadas bandas y cantantes, se suponia que era el adecuado para llevar al cine la historia del millonario empresario periodístico. Lamentablemente la película dista mucho de tener estilo propio y cae sorprendentemente en los mas típicos, repetidos y manidos trucos sacados de un libro para hacer una película. Nada es nuevo y nada es novedoso.
Para colmo, Seth Rogen (1982) es un mediocre comediante y actor canadiense que se esfuerza toda la película en hacer de esta historia, algo para el lucimiento personal. Sin verdadero carisma ni simpatía, la película hace reír a quienes tienen el mismo nivel intelectual del protagonista.
En este caso es difícil rescatar algo, pero como no todo esta perdido, podemos rescatar las buenas secuencias de acción clásica (sin computador de por medio me refiero), que se desarrollan en las persecuciones automovilisticas y en la secuencia final. Lastima que esto llega demasiado tarde, solo al final de la cinta.
Recordemos que "The green Hornet" (El avispón verde), nació como un programa de radio de los años 30 en continuación al éxito obtenido por El llanero Solitario por esos mismos años(de hecho es de los mismos realizadores), para luego convertirse rápidamente en serie de television y de historietas. Con el paso de los años y ya cerca de los 90` y pasando al 2000, muchas veces se anunció su realización hasta que el 2010 al fin se concretó el ansiado proyecto.
Britt Reid (Seth Rogen) es el hijo del magnate de los medios más prominente y respetado de L:A:, y es perfectamente feliz manteniendo una vida sin dirección, de fiesta en fiesta, hasta que su padre (Tom Wilkinson) muere misteriosamente y hereda a Britt su vasto imperio mediático. Britt entabla una inusitada amistad con uno de los empleados más trabajadores, fieles e inventivos de su padre, Kato (Jay Chou) y ellos ven la oportunidad de hacer algo significativo por primera vez en sus vidas: combatir el crimen. Para acercarse a los delincuentes, diseñan la cobertura perfecta: aparentan ser criminales. Protegiendo la ley mientras la rompen, Britt se convierte en el vigilante Avispón Verde cuando él y Kato recorren las calles.
Usando todo su ingenio y habilidad, Kato construye el más avanzado armamento retro, The Black Beauty, un automóvil indestructible con una potencia de armas de fuego igual a sus caballos de fuerza. En una fortaleza móvil sobre ruedas y venciendo a los tipos malos con los inteligentes dispositivos de Kato, El Avispón Verde y su asistente empiezan a ganarse un nombre rápidamente; con la ayuda de la nueva secretaria de Britt, Lenore Case (Cameron Diaz), emprenden la caza del hombre que controla el brutal bajo mundo delictivo: Benjamin Chudnofsky (Christoph Waltz). Pero Chudnofsky tiene planes propios: aplastar a El Avispón Verde de una vez por todas.
Michel Gondry (1963), es un director francés que había destacado por un innovador estilo. Dedicado en su mayoría a los clips para variadas bandas y cantantes, se suponia que era el adecuado para llevar al cine la historia del millonario empresario periodístico. Lamentablemente la película dista mucho de tener estilo propio y cae sorprendentemente en los mas típicos, repetidos y manidos trucos sacados de un libro para hacer una película. Nada es nuevo y nada es novedoso.
Para colmo, Seth Rogen (1982) es un mediocre comediante y actor canadiense que se esfuerza toda la película en hacer de esta historia, algo para el lucimiento personal. Sin verdadero carisma ni simpatía, la película hace reír a quienes tienen el mismo nivel intelectual del protagonista.
En este caso es difícil rescatar algo, pero como no todo esta perdido, podemos rescatar las buenas secuencias de acción clásica (sin computador de por medio me refiero), que se desarrollan en las persecuciones automovilisticas y en la secuencia final. Lastima que esto llega demasiado tarde, solo al final de la cinta.
martes, 28 de junio de 2011
Como aprender a apreciar una pelicula : Algo de historia básica
El cine fue oficialmente inaugurado como espectaculo en Paris, el 28 de diciembre de 1895. Desde entonces ha experimentado una serie de cambios en varios sentidos. Por un lado, la tecnología del cine ha evolucionado mucho, desde el primitivo cinematografo mudo de los hermanos Lumierè, hasta el cine digital del siglo XXI. Por otro lado, ha evolucionado el lenguaje cinematográfico, incluyendo las convenciones del género, creando así los generos cinematograficos. En tercer lugar, ha evolucionado con la sociedad, surgiendo así distintos movimientos cinematograficos y cinematografías nacionales.
Por un tiempo, el cine fue considerado una atracción menor, incluso un número de feria, pero cuando George Méliès usó todos sus recursos para simular experiencias mágicas, creando rudimentarios -pero eficaces- efectos especiales, los noveles realizadores captaron las grandes posibilidades que el invento ofrecía. De esta manera, en la primera década del siglo XX surgieron múltiples pequeños estudios fílmicos, tanto en Estados Unidos como en Europa. En la época, los filmes eran de pocos minutos y metraje, trataban temas más o menos simples, y tanto por decorados como por vestuario, eran de producción relativamente barata. Además, la técnica no había resuelto el problema del sonido, por lo que las funciones se acompañaban con un piano y un relator . Pero en este tiempo surgieron la casi totalidad de los géneros cinematográficos (ciencia ficcion, historicas o de epoca); el género ausente fue, por supuesto, la comedia musical, que debería esperar hasta la aparición del cine sonoro.
En E.E.U.U. el cine tuvo un éxito arrollador, por una peculiar circunstancia social: al ser un país de inmigrantes, muchos de los cuales no hablaban ingles, tanto el teatro como la prensa o los libros les estaban vedados por la barrera idiomática, y así el cine mudo se transformó en una fuente muy importante de esparcimiento y entretencion.
Oliendo este negocio, y basándose en su patente sobre el kinetoscopio, Thomas Alva Edison intentó tomar el control de los derechos sobre la explotación del cinematógrafo. El asunto no sólo llegó a juicio, de Edison contra los llamados productores independientes, sino que se libró incluso a tiro limpio. Como consecuencia, los productores independientes emigraron desde Nueva York y la costa este, donde Edison era fuerte, hacia el oeste, recientemente pacificado. En un pequeño poblado llamado Hollywood, encontraron condiciones ideales para rodar: días soleados casi todo el año, multitud de paisajes que pudieran servir como locaciones, y la cercanía con la frontera de Mexico, en caso de que debieran escapar de la justicia. Así nació la llamada Meca del Cine, y Hollywood se transformó en el más importante centro cinematográfico del planeta.
Suele hablarse de cine mudo, de la época silente o muda, y esto no es del todo exacto aunque es cierto que las proyecciones no podían por sí mismas sino mostrar imágenes en movimiento sin sonido alguno. Pero las proyecciones en las salas iban acompañadas de la música tocada por un pianista o una pequeña orquesta y además comentada por la voz de un explicador, imprescindible figura que hacía posible que multitudes analfabetas o inmigrantes desconocedores del idioma entendieran la película. Además las productoras encargaban partituras originales para sus películas más prestigiosas, con lo que al cine ya sólo le faltaba hablar, pero se tenía ya la concepción de una obra creada entre la imagen y el sonido. El cine mudo, en realidad, mudo del todo, en cierto modo no era.
En esos años, la técnica de contar una historia en imágenes sufrió una gran evolución. Los primeros cineastas concebían al cine como teatro filmado. En consecuencia, los escenarios eran simples telones pintados, y se utilizaba una cámara estática. A medida que pasó el tiempo, los directores aprendieron técnicas que hoy por hoy parecen básicas, como mover la cámara (por ejemplo, el travelling) o utilizarla en ángulo picado, contrapicado), pero que en esa época eran ideas revolucionarias. También se pasó desde el telón pintado al escenario tridimensional, por obra especialmente de los filmes historicos rodados en Italia en la década de los años diez ("Quo vadis?" o "Cabiria").
Dos cineastas fueron claves en este proceso. En Estados Unidos, David W. Griffith, con "El nacimiento de una nacion" e "Intolerancia", cambió el cine para siempre, hasta el punto que se afirma que con él nace de verdad el lenguaje cinematográfico. En la Union Sovietica, otro tanto realiza Sergèi Eisenstein, con películas claves como "El acorazado Potemkin" u "Octubre", entre otras; a Eisenstein se le debe el llamado montage de atracciones, que busca mezclar imágenes chocantes para provocar una asociación emocional o intelectual en el público. Gracias a ellos, y a los expresionistas alemanes ya mencionados, el lenguaje fílmico alcanza su madurez en la década de 1920.
El cine, como manifestación artística, cuenta con diversos movimientos o corrientes a lo largo del siglo XX. Las escuelas estéticas constituyen un conjunto de movimientos expresivos innovadores de la historia del cine. En algunos casos, supone la ruptura con los estilos anteriores, sobre todo del cine clásico de Hollywood, y en otros casos suponen un desarrollo de los estilos predecesores. El cine de vanguardia, supone una ruptura en la narrativa del cine convencional. Junto con la literatura y el arte dominaron el primer tercio del siglo XX. Las corrientes vanguardistas cuestionan los modos tradicionales de producción, difusión, exhibición y consumo de los objetos artísticos; y recurren a cuestiones relativas a la modernidad.
En cuanto al cine, se diferencian tres etapas en el movimiento vanguardista. En primer lugar, se encuentra el cine impresionista, representado por Abel Gance y René Clair. En segundo lugar está el cine surrealista francés y el cine abstracto alemán. Por último, se halla el cine independiente o documental.
El cine sonoro es aquel que incorpora en las películas sonido sincronizado o tecnológicamente aparejado con la imagen. Por su parte el cine mudo es aquel que no posee sonido, consistiendo únicamente en imágenes. Antes de la existencia del cine sonoro los cineastas y proyectistas se habían preocupado de crearlo, pues el cine nace con esa voluntad. Raras veces se exhibía la película en silencio. Por ejemplo, los hermanos Lumière, en 1897, contrataron un cuarteto de saxofones para que acompañase a la proyección de la película en su local de París. Hacia el año 1926, el cine mudo había alcanzado un gran nivel de desarrollo en cuanto a estética de la imagen y movimiento de la cámara. Había una gran producción cinematográfica en Hollywood y el público se contentaba con las películas producidas. No se exigía que los personajes comenzaran a hablar, ya que la música aportaba el dramatismo necesario a las escenas que se proyectaban en pantalla.
Los primeros experimentos con el sonido en el cine llegaron de la mano del físico francés Démeny, quien en 1893 inventó la fotografía parlante. Charles Pathé, combinó fonógrafo y cinematógrafo. En la mísma época, León Gaumont desarrolló un sistema de sonorización de películas, que presentó en la Exposicion Universal de Paris de 1902. La película sonora más exitosa fue "El cantante de jazz" (1927) en la que Al jolson se inmortalizó pronunciando las palabras inaugurales: «ustedes aún no han escuchado nada». Ante el éxito, pronto todos los grandes estudios montaron sus propias peliculas sonoras, y el cine mudo quedó olvidado.
La aparición del cine sonoro introdujo grandes cambios en la técnica y expresión cinematográfica, por ejemplo: la cámara perdió movilidad quedando relegada a la posición fija del cine primitivo y la imagen perdió su estética cediéndole importancia al diálogo. Los actores también se vieron implicados en este cambio técnico. Algunas grandes estrellas fílmicas de Hollywood vieron naufragar sus carreras ante su mala dicción, su pésima voz o su excesiva mímica. Debido a esto surgieron nuevos actores en su reemplazo. Una película que retrata esta transición del cine mudo al sonoro es el famoso musical "Cantando bajo la lluvia" (1952).
Quizás el único de los grandes del cine mudo que siguió haciendo filmes sin sonido fue Charles Chaplin como "Tiempos Modernos" (1936). Sin embargo, a partir de 1940 comienza a realizar películas con sonido, la primera de las cuales es "El gran dictador".
Por un tiempo, el cine fue considerado una atracción menor, incluso un número de feria, pero cuando George Méliès usó todos sus recursos para simular experiencias mágicas, creando rudimentarios -pero eficaces- efectos especiales, los noveles realizadores captaron las grandes posibilidades que el invento ofrecía. De esta manera, en la primera década del siglo XX surgieron múltiples pequeños estudios fílmicos, tanto en Estados Unidos como en Europa. En la época, los filmes eran de pocos minutos y metraje, trataban temas más o menos simples, y tanto por decorados como por vestuario, eran de producción relativamente barata. Además, la técnica no había resuelto el problema del sonido, por lo que las funciones se acompañaban con un piano y un relator . Pero en este tiempo surgieron la casi totalidad de los géneros cinematográficos (ciencia ficcion, historicas o de epoca); el género ausente fue, por supuesto, la comedia musical, que debería esperar hasta la aparición del cine sonoro.
En E.E.U.U. el cine tuvo un éxito arrollador, por una peculiar circunstancia social: al ser un país de inmigrantes, muchos de los cuales no hablaban ingles, tanto el teatro como la prensa o los libros les estaban vedados por la barrera idiomática, y así el cine mudo se transformó en una fuente muy importante de esparcimiento y entretencion.
Oliendo este negocio, y basándose en su patente sobre el kinetoscopio, Thomas Alva Edison intentó tomar el control de los derechos sobre la explotación del cinematógrafo. El asunto no sólo llegó a juicio, de Edison contra los llamados productores independientes, sino que se libró incluso a tiro limpio. Como consecuencia, los productores independientes emigraron desde Nueva York y la costa este, donde Edison era fuerte, hacia el oeste, recientemente pacificado. En un pequeño poblado llamado Hollywood, encontraron condiciones ideales para rodar: días soleados casi todo el año, multitud de paisajes que pudieran servir como locaciones, y la cercanía con la frontera de Mexico, en caso de que debieran escapar de la justicia. Así nació la llamada Meca del Cine, y Hollywood se transformó en el más importante centro cinematográfico del planeta.
Suele hablarse de cine mudo, de la época silente o muda, y esto no es del todo exacto aunque es cierto que las proyecciones no podían por sí mismas sino mostrar imágenes en movimiento sin sonido alguno. Pero las proyecciones en las salas iban acompañadas de la música tocada por un pianista o una pequeña orquesta y además comentada por la voz de un explicador, imprescindible figura que hacía posible que multitudes analfabetas o inmigrantes desconocedores del idioma entendieran la película. Además las productoras encargaban partituras originales para sus películas más prestigiosas, con lo que al cine ya sólo le faltaba hablar, pero se tenía ya la concepción de una obra creada entre la imagen y el sonido. El cine mudo, en realidad, mudo del todo, en cierto modo no era.
En esos años, la técnica de contar una historia en imágenes sufrió una gran evolución. Los primeros cineastas concebían al cine como teatro filmado. En consecuencia, los escenarios eran simples telones pintados, y se utilizaba una cámara estática. A medida que pasó el tiempo, los directores aprendieron técnicas que hoy por hoy parecen básicas, como mover la cámara (por ejemplo, el travelling) o utilizarla en ángulo picado, contrapicado), pero que en esa época eran ideas revolucionarias. También se pasó desde el telón pintado al escenario tridimensional, por obra especialmente de los filmes historicos rodados en Italia en la década de los años diez ("Quo vadis?" o "Cabiria").
Dos cineastas fueron claves en este proceso. En Estados Unidos, David W. Griffith, con "El nacimiento de una nacion" e "Intolerancia", cambió el cine para siempre, hasta el punto que se afirma que con él nace de verdad el lenguaje cinematográfico. En la Union Sovietica, otro tanto realiza Sergèi Eisenstein, con películas claves como "El acorazado Potemkin" u "Octubre", entre otras; a Eisenstein se le debe el llamado montage de atracciones, que busca mezclar imágenes chocantes para provocar una asociación emocional o intelectual en el público. Gracias a ellos, y a los expresionistas alemanes ya mencionados, el lenguaje fílmico alcanza su madurez en la década de 1920.
El cine, como manifestación artística, cuenta con diversos movimientos o corrientes a lo largo del siglo XX. Las escuelas estéticas constituyen un conjunto de movimientos expresivos innovadores de la historia del cine. En algunos casos, supone la ruptura con los estilos anteriores, sobre todo del cine clásico de Hollywood, y en otros casos suponen un desarrollo de los estilos predecesores. El cine de vanguardia, supone una ruptura en la narrativa del cine convencional. Junto con la literatura y el arte dominaron el primer tercio del siglo XX. Las corrientes vanguardistas cuestionan los modos tradicionales de producción, difusión, exhibición y consumo de los objetos artísticos; y recurren a cuestiones relativas a la modernidad.
En cuanto al cine, se diferencian tres etapas en el movimiento vanguardista. En primer lugar, se encuentra el cine impresionista, representado por Abel Gance y René Clair. En segundo lugar está el cine surrealista francés y el cine abstracto alemán. Por último, se halla el cine independiente o documental.
El cine sonoro es aquel que incorpora en las películas sonido sincronizado o tecnológicamente aparejado con la imagen. Por su parte el cine mudo es aquel que no posee sonido, consistiendo únicamente en imágenes. Antes de la existencia del cine sonoro los cineastas y proyectistas se habían preocupado de crearlo, pues el cine nace con esa voluntad. Raras veces se exhibía la película en silencio. Por ejemplo, los hermanos Lumière, en 1897, contrataron un cuarteto de saxofones para que acompañase a la proyección de la película en su local de París. Hacia el año 1926, el cine mudo había alcanzado un gran nivel de desarrollo en cuanto a estética de la imagen y movimiento de la cámara. Había una gran producción cinematográfica en Hollywood y el público se contentaba con las películas producidas. No se exigía que los personajes comenzaran a hablar, ya que la música aportaba el dramatismo necesario a las escenas que se proyectaban en pantalla.
Los primeros experimentos con el sonido en el cine llegaron de la mano del físico francés Démeny, quien en 1893 inventó la fotografía parlante. Charles Pathé, combinó fonógrafo y cinematógrafo. En la mísma época, León Gaumont desarrolló un sistema de sonorización de películas, que presentó en la Exposicion Universal de Paris de 1902. La película sonora más exitosa fue "El cantante de jazz" (1927) en la que Al jolson se inmortalizó pronunciando las palabras inaugurales: «ustedes aún no han escuchado nada». Ante el éxito, pronto todos los grandes estudios montaron sus propias peliculas sonoras, y el cine mudo quedó olvidado.
La aparición del cine sonoro introdujo grandes cambios en la técnica y expresión cinematográfica, por ejemplo: la cámara perdió movilidad quedando relegada a la posición fija del cine primitivo y la imagen perdió su estética cediéndole importancia al diálogo. Los actores también se vieron implicados en este cambio técnico. Algunas grandes estrellas fílmicas de Hollywood vieron naufragar sus carreras ante su mala dicción, su pésima voz o su excesiva mímica. Debido a esto surgieron nuevos actores en su reemplazo. Una película que retrata esta transición del cine mudo al sonoro es el famoso musical "Cantando bajo la lluvia" (1952).
Quizás el único de los grandes del cine mudo que siguió haciendo filmes sin sonido fue Charles Chaplin como "Tiempos Modernos" (1936). Sin embargo, a partir de 1940 comienza a realizar películas con sonido, la primera de las cuales es "El gran dictador".
domingo, 26 de junio de 2011
Priest : Como aprender a apreciar una pelicula
No hay una ordenación universalmente aceptada entre esas seis artes (pintura, escultura, escultura, música, danza y poesía o literatura) que identifique un primer arte, segundo arte, tercer arte, cuarto arte, quinto arte o sexto arte. No obstante, sí que se utiliza la expresión séptimo arte para identificar al nuevo arte que se añada a la lista. Muy habitualmente se suele denominar así al cine, desde que Ricciotto Canudo acuñara la expresión en su Manifiesto de las siete artes (1911). Las expresiones octavo arte, noveno arte, décimo arte, etc. se utilizan de forma menos unívoca, para identificar como artes, y por tanto prestigiarlos, poniéndolos al mayor nivel posible entre todas las manifestaciones Artísticas y culturales, al cómic, la fotografía, la television la publicidad, los videojuegos, etc.
Se llama historieta o cómic a una "serie de dibujos que constituye un relato", "con texto o sin él", el interés por el cómic puede tener muy variadas motivaciones, desde el interés estético al sociológico, de la nostalgia al oportunismo. Durante buena parte de su historia fue considerado incluso un subproducto cultural, apenas digno de otro análisis que no fuera el sociológico, hasta que en los años 60 del pasado siglo se asiste a su reivindicación artística.
El cine y el cómic comparten una larga historia de influencias mutuas. En este sentido, Federico Fellini manifestaba que "los cómic que se realizan acercándose demasiado a la técnica cinematográfica son para mí los menos hermosos, los menos logrados" de tal manera que los "que merecen consideración son aquellos que han inspirado al cine y no al revés".
Los estilos de un cómic pueden ser los mas variados; desde lo erótico, lo vulgar hasta el policial, desde el realista hasta el futurista fantástico, nos han deleitado con su belleza artística y visual. Y es este ultimo el que ha mayormente inspirado obras cinematográficas.
"Priest" (Scott Stewart, 2011), es una buena muestra de este nuevo sub-genero argumental, que amalgama de buena manera la estetica del papel con la del celuloide.
En el futuro, la guerra entre los humanos y los vampiros han devastado al mundo. La Iglesia, la encarnación futura de la Iglesia Católica Romana, creó una organización de élite de guerreros espirituales, llamad "Priests", que eran capaces de matar a los vampiros. La mayoría de los vampiros fueron asesinados mientras que el resto fueron colocados en reservas. Para proteger a los humanos, la Iglesia creó ciudades fuertes y asiladas. Ya no necesitando los servicios de los Sacerdotes, la Iglesia los disolvió.
Un día un sacerdote no identificado (Paul Bettany, 1971), es abordado por Hicks, el sheriff de un pueblo cercano. Hicks le dice que su hermano Owen fue herido de muerte, su cuñada (y ex-novia, Shannon) fue asesinada por vampiros y la sobrina de Priest ha sido secuestrada. Hicks le pide a Priest su asistencia para seguir a Lucy. Priest va contra los deseos del Monseñor Orelas, el líder de la Iglesia, para hacerlo. El Monseñor Orelas envía a un grupo de cuatro Priest liderados por Priestess para capturarlo y traerlo de nuevo, vivo o muerto.
La película es dirigida por Scott Stewart y escrita por Cory Goodman y está basada en el cómic Coreano Priest por Min-Woo Hyung. Y así como se presenta la premisa de la historia oriental, nos integra en un mundo Orwellista y oscuro, dominado por una iglesia opresora y dictatorial, donde la mas mínima opinión distinta y confrontacional significa ir contra Dios. Nuevamente el director al igual que en su anterior cinta (Legion, 2010), enfrenta la fé cristiana, la iglesia con todo su poderío, al sentir y honor del ser humano.
Mension aparte en esta pelicula es la banda sonora compuesta por Christopher Young (1957), quien regresa a lo que mejor domina, ofreciéndonos una poderosisima banda de terror gótico. Plagada de coros y haciendo énfasis en un poderoso tema sinfónico, nos adentra en el mundo post-apocalíptico del protagonista.
La cinta es muy entretenida si se logra ver con cultura cómic y no tan apegada a la estética cinematográfica. Es rápida y los ángulos y planos de cámaras son como los cuadros de una revista que nos llevan por la oscura y historia. Sin caer en excesos visuales ni violentos como en la muy sobrevalorada película 300, la película funciona de la mejor manera.
Veanla, y aprendan a valorar lo que se les presenta.
Se llama historieta o cómic a una "serie de dibujos que constituye un relato", "con texto o sin él", el interés por el cómic puede tener muy variadas motivaciones, desde el interés estético al sociológico, de la nostalgia al oportunismo. Durante buena parte de su historia fue considerado incluso un subproducto cultural, apenas digno de otro análisis que no fuera el sociológico, hasta que en los años 60 del pasado siglo se asiste a su reivindicación artística.
El cine y el cómic comparten una larga historia de influencias mutuas. En este sentido, Federico Fellini manifestaba que "los cómic que se realizan acercándose demasiado a la técnica cinematográfica son para mí los menos hermosos, los menos logrados" de tal manera que los "que merecen consideración son aquellos que han inspirado al cine y no al revés".
Los estilos de un cómic pueden ser los mas variados; desde lo erótico, lo vulgar hasta el policial, desde el realista hasta el futurista fantástico, nos han deleitado con su belleza artística y visual. Y es este ultimo el que ha mayormente inspirado obras cinematográficas.
"Priest" (Scott Stewart, 2011), es una buena muestra de este nuevo sub-genero argumental, que amalgama de buena manera la estetica del papel con la del celuloide.
En el futuro, la guerra entre los humanos y los vampiros han devastado al mundo. La Iglesia, la encarnación futura de la Iglesia Católica Romana, creó una organización de élite de guerreros espirituales, llamad "Priests", que eran capaces de matar a los vampiros. La mayoría de los vampiros fueron asesinados mientras que el resto fueron colocados en reservas. Para proteger a los humanos, la Iglesia creó ciudades fuertes y asiladas. Ya no necesitando los servicios de los Sacerdotes, la Iglesia los disolvió.
Un día un sacerdote no identificado (Paul Bettany, 1971), es abordado por Hicks, el sheriff de un pueblo cercano. Hicks le dice que su hermano Owen fue herido de muerte, su cuñada (y ex-novia, Shannon) fue asesinada por vampiros y la sobrina de Priest ha sido secuestrada. Hicks le pide a Priest su asistencia para seguir a Lucy. Priest va contra los deseos del Monseñor Orelas, el líder de la Iglesia, para hacerlo. El Monseñor Orelas envía a un grupo de cuatro Priest liderados por Priestess para capturarlo y traerlo de nuevo, vivo o muerto.
La película es dirigida por Scott Stewart y escrita por Cory Goodman y está basada en el cómic Coreano Priest por Min-Woo Hyung. Y así como se presenta la premisa de la historia oriental, nos integra en un mundo Orwellista y oscuro, dominado por una iglesia opresora y dictatorial, donde la mas mínima opinión distinta y confrontacional significa ir contra Dios. Nuevamente el director al igual que en su anterior cinta (Legion, 2010), enfrenta la fé cristiana, la iglesia con todo su poderío, al sentir y honor del ser humano.
Mension aparte en esta pelicula es la banda sonora compuesta por Christopher Young (1957), quien regresa a lo que mejor domina, ofreciéndonos una poderosisima banda de terror gótico. Plagada de coros y haciendo énfasis en un poderoso tema sinfónico, nos adentra en el mundo post-apocalíptico del protagonista.
La cinta es muy entretenida si se logra ver con cultura cómic y no tan apegada a la estética cinematográfica. Es rápida y los ángulos y planos de cámaras son como los cuadros de una revista que nos llevan por la oscura y historia. Sin caer en excesos visuales ni violentos como en la muy sobrevalorada película 300, la película funciona de la mejor manera.
Veanla, y aprendan a valorar lo que se les presenta.
jueves, 23 de junio de 2011
Season of the Witch : Como aprender a apreciar una pelicula
Si bien Nicolas Cage (1964), nunca ha sido un gran actor, siempre se ha agradecido que por lo menos sea solvente, aunque con muy poco registro de facciones y siempre representando al mismo personaje en la mayoría de sus películas; en estos últimos años su elección de cintas en las que participar no ha sido de las mejores, y este es un claro ejemplo.
"Season of the Witch" (Dominic Sena, 2011), dista mucho de ser una gran obra. Es una película pobre en un guión muy convencional y desperdiciado, que lamentablemente apenas toca el tema dedicado a los caballeros templarios y las cruzadas (algo muy poco utilizado en el cine), y que como dijo la prensa internacional, parece de factura pobre. Cage secundado por un siempre solvente Ron Perlman (1950), son un par de desertores de la lucha de la iglesia en el medio oriente que deciden volver a su amada Alemania natal. Ambos se quedan sorprendidos al ver en Estiria los estragos de la peste bubónica en el continente europeo. En la ciudad de Marburgo, mientras buscan alimentos los dos caballeros son llamados ante el cardenal local, llamado Cardenal D'Ambroise (Christopher Lee 1922), por su regreso no programado desde Oriente.
El cardenal moribundo amenaza a Behmen y Felson (personajes de ambos actores), con una pena de prisión por desertar en sus funciones, a no ser que acepten llevar a cabo una peligrosa misión. En el calabozo del Cardenal se encuentran a una joven (Claire Foy) acusada de ser la bruja que trae la peste. Sólo se librarán de la pena de prisión si aceptan llevar a la joven a una abadía donde será juzgada. Durante su camino estarán acompañados por Hogomar (Stephen Graham), un joven ansioso de ser nombrado caballero, llamado Kay y el padre Debelzaq (Stephen Campbell Moore)y el caballero Eackhart. La ruta es larga y dura, atravesando profundas gargantas y bosques llenos de lobos.
Lamentablemente la pelicula queda a medio camino entre la aventura y el suspenso o terror. Tal vez si se ubiese decidido por un solo estilo, de preferencia este ultimo, la historia habría resultado mas concreta. Faltan vueltas de tuercas, faltan historias paralelas y tiempos en las escenas; en concreto falta creerse el cuento y jurársela por un guión que daba para mucho màs.
¿Lo rescatable?, lo hermosa y solvente de su protagonista, y lo lúgubre y frió de los paisajes escojidos en Austria, Hungria y Croacia.
¿Como aprender a apreciar una pelicula?, siempre hay algo rescatable que encontrar en todas.
"Season of the Witch" (Dominic Sena, 2011), dista mucho de ser una gran obra. Es una película pobre en un guión muy convencional y desperdiciado, que lamentablemente apenas toca el tema dedicado a los caballeros templarios y las cruzadas (algo muy poco utilizado en el cine), y que como dijo la prensa internacional, parece de factura pobre. Cage secundado por un siempre solvente Ron Perlman (1950), son un par de desertores de la lucha de la iglesia en el medio oriente que deciden volver a su amada Alemania natal. Ambos se quedan sorprendidos al ver en Estiria los estragos de la peste bubónica en el continente europeo. En la ciudad de Marburgo, mientras buscan alimentos los dos caballeros son llamados ante el cardenal local, llamado Cardenal D'Ambroise (Christopher Lee 1922), por su regreso no programado desde Oriente.
El cardenal moribundo amenaza a Behmen y Felson (personajes de ambos actores), con una pena de prisión por desertar en sus funciones, a no ser que acepten llevar a cabo una peligrosa misión. En el calabozo del Cardenal se encuentran a una joven (Claire Foy) acusada de ser la bruja que trae la peste. Sólo se librarán de la pena de prisión si aceptan llevar a la joven a una abadía donde será juzgada. Durante su camino estarán acompañados por Hogomar (Stephen Graham), un joven ansioso de ser nombrado caballero, llamado Kay y el padre Debelzaq (Stephen Campbell Moore)y el caballero Eackhart. La ruta es larga y dura, atravesando profundas gargantas y bosques llenos de lobos.
Lamentablemente la pelicula queda a medio camino entre la aventura y el suspenso o terror. Tal vez si se ubiese decidido por un solo estilo, de preferencia este ultimo, la historia habría resultado mas concreta. Faltan vueltas de tuercas, faltan historias paralelas y tiempos en las escenas; en concreto falta creerse el cuento y jurársela por un guión que daba para mucho màs.
¿Lo rescatable?, lo hermosa y solvente de su protagonista, y lo lúgubre y frió de los paisajes escojidos en Austria, Hungria y Croacia.
¿Como aprender a apreciar una pelicula?, siempre hay algo rescatable que encontrar en todas.
jueves, 16 de junio de 2011
como aprender a apreciar una pelicula
"La belleza está en los ojos del que mira"
Mucha razón tiene ese dicho. Todo lo bello y hermoso es circunstancial e inherente al observador. Lo que es lindo para unos, no necesariamente es para otros; lamentablemente los gustos no son parejos y las discusiones de lo que se vé son eternas. En "como aprender a apreciar una pelicula" trato de aunar criterios y ayudarles a reconocer la belleza en diferentes cintas. La variedad de filmes nos hace pensar que es muy difícil, pero teniendo las herramientas de conocimiento, de saber, de reconocer lo que se está observando, nos dice lo contrario. No todas las películas tristes son buenas ("La vida es bella"), ni todas las películas de grandes presupuestos son de calidad("Troya")
El pensar que una gran superproduccion tiene el Olimpo ganado es un error del porte del Titanic (perdón por la comparacion), ya que muchas veces mas es menos. Mientras más elementos le agregas a una película, lo mas seguro es que tendrás un despropósito enorme.
La gran belleza que nos dán los cortos o mediometrajes radica en que en poco tiempo deben ir directo al grano en lo que deben decir. Con los minutos contados, cada plano cuenta, pero si la historia es buena, profunda y merece una mayor refleccion, tenemos la obligación de prestarle mayor atención.
Por lo general nos fijamos en los demás sin preocuparnos de nuestros propios defectos; o simplemente no nos damos el tiempo para conocer a alguien realmente sin importar sus defectos. Sobre eso nos habla el cortometraje del 2009 "The Butterfly Circus", del realizador Joshua Weigel y ganador del concurso anual de cortos que organiza www.thedoorpost.com anualmente. Con un mensaje de esperanza, de motivacion y de reto personal, nos conmueve hasta lo mas profundo sin dejar de hacernos sentir avergonzados por nuestras conductas para con los demás. Todos siempre reclamamos por algo superfluo, banal y que realmente no importa, pero este corto nos dice lo contrario valiéndose de un estupendo protagonista que debe aprender primero a quererse a sí mismo, para luego hacerse valer como persona.
Mención aparte la historia del protagonista en la vida real, Nick Vujicic.
Recuerden siempre. "Es mejor encender una vela, que maldecir la oscuridad"
Mucha razón tiene ese dicho. Todo lo bello y hermoso es circunstancial e inherente al observador. Lo que es lindo para unos, no necesariamente es para otros; lamentablemente los gustos no son parejos y las discusiones de lo que se vé son eternas. En "como aprender a apreciar una pelicula" trato de aunar criterios y ayudarles a reconocer la belleza en diferentes cintas. La variedad de filmes nos hace pensar que es muy difícil, pero teniendo las herramientas de conocimiento, de saber, de reconocer lo que se está observando, nos dice lo contrario. No todas las películas tristes son buenas ("La vida es bella"), ni todas las películas de grandes presupuestos son de calidad("Troya")
El pensar que una gran superproduccion tiene el Olimpo ganado es un error del porte del Titanic (perdón por la comparacion), ya que muchas veces mas es menos. Mientras más elementos le agregas a una película, lo mas seguro es que tendrás un despropósito enorme.
La gran belleza que nos dán los cortos o mediometrajes radica en que en poco tiempo deben ir directo al grano en lo que deben decir. Con los minutos contados, cada plano cuenta, pero si la historia es buena, profunda y merece una mayor refleccion, tenemos la obligación de prestarle mayor atención.
Por lo general nos fijamos en los demás sin preocuparnos de nuestros propios defectos; o simplemente no nos damos el tiempo para conocer a alguien realmente sin importar sus defectos. Sobre eso nos habla el cortometraje del 2009 "The Butterfly Circus", del realizador Joshua Weigel y ganador del concurso anual de cortos que organiza www.thedoorpost.com anualmente. Con un mensaje de esperanza, de motivacion y de reto personal, nos conmueve hasta lo mas profundo sin dejar de hacernos sentir avergonzados por nuestras conductas para con los demás. Todos siempre reclamamos por algo superfluo, banal y que realmente no importa, pero este corto nos dice lo contrario valiéndose de un estupendo protagonista que debe aprender primero a quererse a sí mismo, para luego hacerse valer como persona.
Mención aparte la historia del protagonista en la vida real, Nick Vujicic.
Recuerden siempre. "Es mejor encender una vela, que maldecir la oscuridad"
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