The Avengers; del comic a la realidad

  Desde hacia años (que mas bien parecieron siglos) que esperábamos la realización del filme que reuniría a los mas famosos sino emblemáticos superheroes de Marvel como Iron Man (2008), El Increible Hulk (2008), Iron Man 2 (2010), Thor (2011) y Captain America: The First Avenger (2011). La película está escrita y dirigida por Joss Whedon y cuenta con un reparto coral, que incluye a Robert Downey Jr., Chris Evans, Christ Hemsworth,  Ton Hiddleston, Samuel L. Jackson, Scarlett Johansson, Jeremy Renner, Mark Ruffalo y Cobie Smulders. Los Vengadores, cuenta la historia de Nick Fury, director de la organización de vigilantes de la paz S.H.I.E.L.D, que recluta a estos superheroes, a quienes se suma Black Widow y Hawkeye para salvar al mundo de su destrucción.
  El desarrollo de Los Vengadores comenzó cuando Marvel Studios recibió una subvención de Merryll Lynch en abril de 2005. Tras el éxito de la película Irin Man , Marvel anunció que Los Vengadores sería lanzada en julio de 2011. Con la firma de Scarlett Johansson en marzo de 2009, la película se pospuso para un lanzamiento en 2012. Whedon fue llevado a bordo en abril de 2010 y reescribió el guión que fue escrito originalmente por Zak Penn. La producción comenzó en abril de 2011 en Albuquerque, Nuevo Mexico antes de pasar a Cleveland, Ohio en agosto y Nueva York en septiembre.
  El comic nace en el año1963 en contraposicion a la liga de la justicia de D.C. comics y no precisamente con los mismos personajes de la actual película (los que fueron reunidos por ser los mas populares y universales)
La historia de los Vengadores es compleja, la presencia de Hulk y su hijo en esos primeros números es practicamente anecdótica y apológica, no habiendo vuelto a formar parte del grupo de forma oficial, y aunque se uniera a posteriori de la primera misión del grupo el Capitán América es considerado a día de hoy uno de los miembros fundadores del mismo, formando junto a Thor y Iron Man la icónica "Trinidad Vengadora", que se define como los tres personajes fundamentales del equipo.
Una de las característica que diferencia a los Vengadores de cualquier otro grupo de superhéroes es que son reconocidos internacionalmente por su heroísmo y responsabilidades con el pleno apoyo de casi todas las naciones del planeta, e incluso en su momento financiados por la ONU, para los que a menudo desempeñan misiones y operaciones de rescate. A pesar de esto, no es un "grupo de Estado(s)", de respuesta gubernamental, y muchas ocasiones se han visto enfrentados a los intereses políticos (como durante el evento Lazos de sangre que unía al grupo con los X-Men en Genosha o en el evento Cinil War donde Capitán América lideraría una escisión del grupo contraria a la "Ley de Registro Superhumano", una clara alegoría y crítica a la política de Bush JR. post-11s y el "Acta Patriótica" que promulgó en su administración). Lo cierto es que podría contemplarse al grupo como un club de modernos aventureros (y, ante todo, amigos), habiendo sido su primera sede social la majestuosa Mansión Stark, con sus propias normas e incluso carnet de membresía, conscientes de sus responsabilidades para con el mundo y la necesidad de unir sus fuerzas frente a amenazas a las que solos no podrían enfrentar.
   El director ejecutivo de Marvel Studios, Avi Arad anunció por primera vez los planes para desarrollar una película de los Vengadores en abril de 2005 después de que Marvel Enterprises declaró su independencia por un pacto con Merrill Lynch para producir una serie de películas que serán distribuidas por Paramount Pictures. El plan del estudio consistió en liberar películas individuales de los personajes principales, para establecer su identidad y familiarizar al público con ellos, antes de fusionarlos juntos en una película de los Vengadores. Marvel Studios anunció en julio de 2007 que el guionista Zak Penn, quien escribió El increíble Hulk, había sido contratado para escribir la película y que se titularía The Avengers. Penn confirmó su participación, pero no creía que el trabajo comenzaría pronto, y tenia completa razón ya que se debieron lidiar con una huelga de trabajadores del cine, decisiones comerciales, convencer a varios directores de que debían participar por un bien común.
  Con un estimado de $250,000,000 de presupuesto, el rodaje comenzó al fin el 25 de abril de 2011 en Albuquerque, Nuevo México, con el rodaje programado para rodar en Cleveland, Ohio y en Nueva York. Al día siguiente, Paul Bettany confirmó que volvería a ser la voz del asistente computarizado de Tony Stark, JARVIS. En mayo de 2011, Gwyneth Paltrow afirmó que ella podría posiblemente aparecer muy brevemente en la película como Pepper Potts. También en mayo, Stan Lee confirmó a través de su cuenta de Twitter que va a tener un cameo en la película. En junio, el doble Jeremy Fitzgerald se lesionó la cabeza al intentar un truco en la participación de una caída de un edificio de 30 pies después de ser golpeado por una flecha. Un portavoz de Marvel más tarde dijo a TMZ.com que "Fitzgerald estaba bien. Se deslizó brevemente a lo largo del lateral del edificio. Se puso de vuelta y se llevó varios más". En julio de 2011, se informó que el rodaje secundario se llevó a cabo alrededor de una hora fuera de Pittsburg, Pennsylvania en el área de Butler.
  En agosto de 2011, la producción se trasladó a Cleveland, Ohio, durante cuatro semanas. La calle East 9th de la ciudad fue elegida como doble de la calle 42nd de Nueva York para ser utilizada en las escenas de la batalla climática. Los Soldados del Ejército asignados a la Reserva de Colombus, Ohio, 391o Batallón de Policía Militar sirvieron de fondo durante las escenas de batalla en Cleveland. El sargento Michael T. Landis declaró que el uso de soldados reales le dieron a las escenas más realismo y ayudaron a retratar al ejército en un espectro mas luminoso; otras escenas fueron filmadas en la planta de sistema del sistema de propulsión de Chevrolet en Parma, Ohio, como parte de la secuencia de la batalla que se inició en Clevaland. Escenas de la película también recibieron disparos en la plaza pública y el Puente Superior de Detroit. El cuadrante suroeste de la plaza pública se convirtió en Stuttgart, Alemania, para la filmación.
  En septiembre de 2011, la producción se trasladó a Nueva York durante dos días para terminar el rodaje. Los lugares de rodaje de Nueva York incluyeron Park Avenue y Central Park.
  La película ha causado gran espectacion por ser la primera vez que se reunan en una película de gran presupuesto varios superheroes de diferentes historias, algo solamente visto en Comics y añorado por décadas.
  Y el resultado es sorprendente. Sin perder de vista la raíz literaria de la historia, el director nos entrega una película muy entretenida, vivaz y con unos diálogos formidables en donde nos damos cuenta que unir a este grupo de egos no es fácil. La primera mitad del filme nos muestra la maldad del personaje villano de turno además de centrarnos en la unión del grupo, para lo que es necesario haber visto todas las cintas anteriores ya que no se toma tiempo en contarnos algo que ya sabemos de cada uno de ellos y a lo que se hace referencia constantemente dándonos así la idea de un solo universo global de los personajes. La segunda mitad del filme brilla con luz propia gracias a un maravilloso 3D. en donde los planos secuencia sobre los aires de la ciudad en medio de la batalla nos dejan sin aliento.

  El cine en si es espectáculo, entretención, y he aquí el gran valor de la película. Es entretención pura, bien hecha, noble y que no toma al espectador como un idiota sino que como alguien que es capaz de seguir desde años un cuento que finaliza (¿o comienza?) en esta cinta.

Como aprender a apreciar una pelicula : Código fuente

Colter Stevens (Jake Gyllenhaal, 1980) se despierta en un tren a toda velocidad sin la más mínima idea de cómo ha acabado allí. Sentado frente a él se encuentra una guapa joven llamada Christina (Michelle Monaghan), una mujer a la que no conoce, aunque ella sí le conoce. Tras refugiarse en los baños del tren, se sorprende al ver en el espejo el reflejo de otro hombre, además de tarjetas de credito y documentos en su billetera que pertenecen a un profesor de historia llamado Shawn Fentress. Posteriormente una gran explosión hace saltar por los aires el tren.
Inmediatamente después, Colter se ve transportado a una unidad de aislamiento de alta tecnología, donde una mujer con uniforme militar llamada Colleen Goodwin (Vera Farmiga) exige que le cuente todo lo que ha visto en el interior del tren. Colter se encontraba en una peligrosa mision para identificar a un terrorista que había destruido pocas horas antes un tren y que tiene previsto matar a millones de personas con una explosión mucho más potente en pleno centro de Chicago. Un avanzado programa de secreto, cuyo nombre en clave es Código Fuente, permitirá existir brevemente a Colter en una realidad paralela, para así poder saber quien hizo el atentado.
Cada vez que regresa al tren, Colter dispone de tan solo 8 minutos para descubrir la identidad del peligroso terrorista. Poco a poco irá descubriendo nuevas pistas y se dará cuenta de que puede evitar la explosión del tren en la ciudad de Chicago, a no ser que se agote el tiempo.
Duncan Zowie Haywood Jones (1971), también conocido como Zowie Bowie o Joey Bowie, es un director de cine británico ganador del premio BAFTA mayormente conocido por la película "Moon" por la que obtuvo gran renombre en el mundo cinematográfico, que se ha encargado de entregarnos una muy entretenida pequeña joya del cine actual. Concisa, justa, clásica y sobre todo, verdaderamente asombrosa en su planteamiento ciencia-ficción humanista que aunque parezca un simple entretenimiento al principio, con el avanzar de la historia nos damos cuenta que como cuento narrado, es verdaderamente inteligente.
  Los tiempos usados por este thriller son los precisos para adentrarnos en una historia que nos mantiene atentos mientras avanza el relato, la edición está al borde de la sobria perfección, y nuevamente nos damos cuenta de la gran importancia de una muy efectiva banda sonora (en este caso, Chris Bacon)
  Hay que verla como historia entretenida, y si además desean aprender a apreciar una película, no hay que dejar de fijarse en el sinfín de detalles que nos llevan hacia el sorpresivo final.

Como aprender a apreciar una pelicula : Temple de acero (2010)

  El western es uno de los géneros cinematográficos más populares del cine estadounidense. La palabra western, originalmente un adjetivo derivado de west («oeste», en inglés), se sustantivó para hacer referencia a las obras, fundamentalmente cinematográficas que estuviesen ambientadas en el antigua Oeste estadounidense.En principio una película se incluiría en este género simplemente por estar situada su acción en un contexto determinado: la exploración y el desarrollo del territorio occidental de los E.E.U.U. durante el siglo XIX. Sin embargo con el tiempo las características de dicho contexto histórico se fueron extendiendo a los personajes de esas historias, condicionando su modo de vida y definiendo su idiosincrasia. Al estar las películas muchas veces ambientadas en territorios inexplorados o indómitos bajo la amenaza latente del ataque de los indios, o en ciudades sin ley en las que los bandidos campaban a sus anchas, el género se fue enfocando hacia la confrontación de los diversos personajes, adquiriendo un carácter cada vez más psicológico.
 Su mayor gloria fue a mediados de los años 50 y anteriores, pero con el tiempo y el natural desgaste, casi desapareció de las salas de cine.
Temple de acero es una película escrita y dirigida por los hermanos Coen y es la segunda adaptación de la novela escrita por Charles Portis, la cual fue adaptada al cine por primera vez en 1969, protagonizada por John Wayne. La película es protagonizada por Hailee Steinfeld como Mattie Ross y Jeff Bridges como el Alguacil Reuben J. "Rooster" Cogburn junto a Matt Damon, Josh Brolin y Barry Pepper.
 La historia en pocas palabras es la de Mattie Ross (Hailee Steinfeld), una chica de 14 años de edad, emprende una búsqueda para vengar la muerte de su padre a manos de un vagabundo llamado Tom Chaney. Ross convence a un oficial de policía, alcohólico y con sobrepeso, llamado "Rooster" Cogburn (Jeff Bridges) para que se le úna en su búsqueda de Chaney. LaBouef, un ranger de Texas que también persigue a Chaney, se unirá a la caza.
Con esta simple premisa, los hermanos Cohen nos entregan una muy buena referencia al cine de cowboys con mucho respeto y cariño. En este caso y como antes he explicado, se toman el tiempo necesario para introducirnos en una historia de crecimiento y redención por parte de los personajes principales. Lentamente y con solida pulcritud visual nos guían nuevamente hacia un antaño de melancólicos e inhóspitos paisajes.
Mención aparte la música inspiradora y la maravillosa fotografía fría y bellamente dura.

Como aprender a apreciar una pelicula : El avispon verde

  Si bien es cierto que en anteriores capítulos he dicho que siempre hay algo que rescatar de cualquier obra filmica, sinceramente es muy difícil encontrar algo bueno en esta producción, y no exagero.
Recordemos que "The green Hornet" (El avispón verde), nació como un programa de radio de los años 30 en continuación al éxito obtenido por El llanero Solitario por esos mismos años(de hecho es de los mismos realizadores), para luego convertirse rápidamente en serie de television y de historietas. Con el paso de los años y ya cerca de los 90` y pasando al 2000, muchas veces se anunció su realización hasta que el 2010 al fin se concretó el ansiado proyecto.
Britt Reid (Seth Rogen) es el hijo del magnate de los medios más prominente y respetado de L:A:, y es perfectamente feliz manteniendo una vida sin dirección, de fiesta en fiesta, hasta que su padre (Tom Wilkinson) muere misteriosamente y hereda a Britt su vasto imperio mediático. Britt entabla una inusitada amistad con uno de los empleados más trabajadores, fieles e inventivos de su padre, Kato (Jay Chou) y ellos ven la oportunidad de hacer algo significativo por primera vez en sus vidas: combatir el crimen. Para acercarse a los delincuentes, diseñan la cobertura perfecta: aparentan ser criminales. Protegiendo la ley mientras la rompen, Britt se convierte en el vigilante Avispón Verde cuando él y Kato recorren las calles.
Usando todo su ingenio y habilidad, Kato construye el más avanzado armamento retro, The Black Beauty, un automóvil indestructible con una potencia de armas de fuego igual a sus caballos de fuerza. En una fortaleza móvil sobre ruedas y venciendo a los tipos malos con los inteligentes dispositivos de Kato, El Avispón Verde y su asistente empiezan a ganarse un nombre rápidamente; con la ayuda de la nueva secretaria de Britt, Lenore Case (Cameron Diaz), emprenden la caza del hombre que controla el brutal bajo mundo delictivo: Benjamin Chudnofsky (Christoph Waltz). Pero Chudnofsky tiene planes propios: aplastar a El Avispón Verde de una vez por todas.
Michel Gondry (1963), es un director francés que había destacado por un innovador estilo. Dedicado en su mayoría a los clips para variadas bandas y cantantes, se suponia que era el adecuado para llevar al cine la historia del millonario empresario periodístico. Lamentablemente la película dista mucho de tener estilo propio y cae sorprendentemente en los mas típicos, repetidos y manidos trucos sacados de un libro para hacer una película. Nada es nuevo y nada es novedoso.
Para colmo, Seth Rogen (1982) es un mediocre comediante y actor canadiense que se esfuerza toda la película en hacer de esta historia, algo para el lucimiento personal. Sin verdadero carisma ni simpatía, la película hace reír a quienes tienen el mismo nivel intelectual del protagonista.
En este caso es difícil rescatar algo, pero como no todo esta perdido, podemos rescatar las buenas secuencias de acción clásica (sin computador de por medio me refiero), que se desarrollan en las persecuciones automovilisticas y en la secuencia final. Lastima que esto  llega demasiado tarde, solo al final de la cinta.

Como aprender a apreciar una pelicula : Algo de historia básica

  El cine fue oficialmente inaugurado como espectaculo en Paris, el 28 de diciembre de 1895. Desde entonces ha experimentado una serie de cambios en varios sentidos. Por un lado, la tecnología del cine ha evolucionado mucho, desde el primitivo cinematografo mudo de los hermanos Lumierè, hasta el cine digital del siglo XXI. Por otro lado, ha evolucionado el lenguaje cinematográfico, incluyendo las convenciones del género, creando así los generos cinematograficos. En tercer lugar, ha evolucionado con la sociedad, surgiendo así distintos movimientos cinematograficos y cinematografías nacionales.
Por un tiempo, el cine fue considerado una atracción menor, incluso un número de feria, pero cuando George Méliès usó todos sus recursos para simular experiencias mágicas, creando rudimentarios -pero eficaces- efectos especiales, los noveles realizadores captaron las grandes posibilidades que el invento ofrecía. De esta manera, en la primera década del siglo XX surgieron múltiples pequeños estudios fílmicos, tanto en Estados Unidos como en Europa. En la época, los filmes eran de pocos minutos y metraje, trataban temas más o menos simples, y tanto por decorados como por vestuario, eran de producción relativamente barata. Además, la técnica no había resuelto el problema del sonido, por lo que las funciones se acompañaban con un piano y un relator . Pero en este tiempo surgieron la casi totalidad de los géneros cinematográficos (ciencia ficcion, historicas o de epoca); el género ausente fue, por supuesto, la comedia musical, que debería esperar hasta la aparición del cine sonoro.
En E.E.U.U. el cine tuvo un éxito arrollador, por una peculiar circunstancia social: al ser un país de inmigrantes, muchos de los cuales no hablaban ingles, tanto el teatro como la prensa o los libros les estaban vedados por la barrera idiomática, y así el cine mudo se transformó en una fuente muy importante de esparcimiento y entretencion.
Oliendo este negocio, y basándose en su patente sobre el kinetoscopio, Thomas Alva Edison intentó tomar el control de los derechos sobre la explotación del cinematógrafo. El asunto no sólo llegó a juicio, de Edison contra los llamados productores independientes, sino que se libró incluso a tiro limpio. Como consecuencia, los productores independientes emigraron desde Nueva York y la costa este, donde Edison era fuerte, hacia el oeste, recientemente pacificado. En un pequeño poblado llamado Hollywood, encontraron condiciones ideales para rodar: días soleados casi todo el año, multitud de paisajes que pudieran servir como locaciones, y la cercanía con la frontera de Mexico, en caso de que debieran escapar de la justicia. Así nació la llamada Meca del Cine, y Hollywood se transformó en el más importante centro cinematográfico del planeta.
Suele hablarse de cine mudo, de la época silente o muda, y esto no es del todo exacto aunque es cierto que las proyecciones no podían por sí mismas sino mostrar imágenes en movimiento sin sonido alguno. Pero las proyecciones en las salas iban acompañadas de la música tocada por un pianista o una pequeña orquesta y además comentada por la voz de un explicador, imprescindible figura que hacía posible que multitudes analfabetas o inmigrantes desconocedores del idioma entendieran la película. Además las productoras encargaban partituras originales para sus películas más prestigiosas, con lo que al cine ya sólo le faltaba hablar, pero se tenía ya la concepción de una obra creada entre la imagen y el sonido. El cine mudo, en realidad, mudo del todo, en cierto modo no era.
En esos años, la técnica de contar una historia en imágenes sufrió una gran evolución. Los primeros cineastas concebían al cine como teatro filmado. En consecuencia, los escenarios eran simples telones pintados, y se utilizaba una cámara estática. A medida que pasó el tiempo, los directores aprendieron técnicas que hoy por hoy parecen básicas, como mover la cámara (por ejemplo, el travelling) o utilizarla en ángulo picado, contrapicado), pero que en esa época eran ideas revolucionarias. También se pasó desde el telón pintado al escenario tridimensional, por obra especialmente de los filmes historicos rodados en Italia en la década de los años diez ("Quo vadis?" o "Cabiria").
Dos cineastas fueron claves en este proceso. En Estados Unidos, David W. Griffith, con "El nacimiento de una nacion" e "Intolerancia", cambió el cine para siempre, hasta el punto que se afirma que con él nace de verdad el lenguaje cinematográfico. En la Union Sovietica, otro tanto realiza Sergèi Eisenstein, con películas claves como "El acorazado Potemkin" u "Octubre", entre otras; a Eisenstein se le debe el llamado montage de atracciones, que busca mezclar imágenes chocantes para provocar una asociación emocional o intelectual en el público. Gracias a ellos, y a los expresionistas alemanes ya mencionados, el lenguaje fílmico alcanza su madurez en la década de 1920.
El cine, como manifestación artística, cuenta con diversos movimientos o corrientes a lo largo del siglo XX. Las escuelas estéticas constituyen un conjunto de movimientos expresivos innovadores de la historia del cine. En algunos casos, supone la ruptura con los estilos anteriores, sobre todo del cine clásico de Hollywood, y en otros casos suponen un desarrollo de los estilos predecesores. El cine de vanguardia, supone una ruptura en la narrativa del cine convencional. Junto con la literatura y el arte dominaron el primer tercio del siglo XX. Las corrientes vanguardistas cuestionan los modos tradicionales de producción, difusión, exhibición y consumo de los objetos artísticos; y recurren a cuestiones relativas a la modernidad.
En cuanto al cine, se diferencian tres etapas en el movimiento vanguardista. En primer lugar, se encuentra el cine impresionista, representado por Abel Gance y René Clair. En segundo lugar está el cine surrealista francés y el cine abstracto alemán. Por último, se halla el cine independiente o documental.
El cine sonoro es aquel que incorpora en las películas sonido sincronizado o tecnológicamente aparejado con la imagen. Por su parte el cine mudo es aquel que no posee sonido, consistiendo únicamente en imágenes. Antes de la existencia del cine sonoro los cineastas y proyectistas se habían preocupado de crearlo, pues el cine nace con esa voluntad. Raras veces se exhibía la película en silencio. Por ejemplo, los hermanos Lumière, en 1897, contrataron un cuarteto de saxofones para que acompañase a la proyección de la película en su local de París. Hacia el año 1926, el cine mudo había alcanzado un gran nivel de desarrollo en cuanto a estética de la imagen y movimiento de la cámara. Había una gran producción cinematográfica en Hollywood y el público se contentaba con las películas producidas. No se exigía que los personajes comenzaran a hablar, ya que la música aportaba el dramatismo necesario a las escenas que se proyectaban en pantalla.
Los primeros experimentos con el sonido en el cine llegaron de la mano del físico francés Démeny, quien en 1893 inventó la fotografía parlante. Charles Pathé, combinó fonógrafo y cinematógrafo. En la mísma época, León Gaumont desarrolló un sistema de sonorización de películas, que presentó en la Exposicion Universal de Paris de 1902. La película sonora más exitosa fue "El cantante de jazz" (1927) en la que Al jolson se inmortalizó pronunciando las palabras inaugurales: «ustedes aún no han escuchado nada». Ante el éxito, pronto todos los grandes estudios montaron sus propias peliculas sonoras, y el cine mudo quedó olvidado.
La aparición del cine sonoro introdujo grandes cambios en la técnica y expresión cinematográfica, por ejemplo: la cámara perdió movilidad quedando relegada a la posición fija del cine primitivo y la imagen perdió su estética cediéndole importancia al diálogo. Los actores también se vieron implicados en este cambio técnico. Algunas grandes estrellas fílmicas de Hollywood vieron naufragar sus carreras ante su mala dicción, su pésima voz o su excesiva mímica. Debido a esto surgieron nuevos actores en su reemplazo. Una película que retrata esta transición del cine mudo al sonoro es el famoso musical "Cantando bajo la lluvia" (1952).
Quizás el único de los grandes del cine mudo que siguió haciendo filmes sin sonido fue Charles Chaplin como "Tiempos Modernos" (1936). Sin embargo, a partir de 1940 comienza a realizar películas con sonido, la primera de las cuales es "El gran dictador".

Priest : Como aprender a apreciar una pelicula

  No hay una ordenación universalmente aceptada entre esas seis artes (pintura, escultura, escultura, música, danza y poesía o literatura) que identifique un primer arte, segundo arte, tercer arte, cuarto arte, quinto arte o sexto arte. No obstante, sí que se utiliza la expresión séptimo arte para identificar al nuevo arte que se añada a la lista. Muy habitualmente se suele denominar así al cine, desde que Ricciotto Canudo acuñara la expresión en su Manifiesto de las siete artes (1911). Las expresiones octavo arte, noveno arte, décimo arte, etc. se utilizan de forma menos unívoca, para identificar como artes, y por tanto prestigiarlos, poniéndolos al mayor nivel posible entre todas las manifestaciones Artísticas y culturales, al cómic, la fotografía, la television la publicidad, los videojuegos, etc.
 Se llama historieta o cómic a una "serie de dibujos que constituye un relato", "con texto o sin él", el interés por el cómic puede tener muy variadas motivaciones, desde el interés estético al sociológico, de la nostalgia al oportunismo. Durante buena parte de su historia fue considerado incluso un subproducto cultural, apenas digno de otro análisis que no fuera el sociológico, hasta que en los años 60 del pasado siglo se asiste a su reivindicación artística.
El cine y el cómic comparten una larga historia de influencias mutuas. En este sentido, Federico Fellini manifestaba que "los cómic que se realizan acercándose demasiado a la técnica cinematográfica son para mí los menos hermosos, los menos logrados" de tal manera que los "que merecen consideración son aquellos que han inspirado al cine y no al revés".
Los estilos de un cómic pueden ser los mas variados; desde lo erótico, lo vulgar hasta el policial, desde el realista hasta el futurista fantástico, nos han deleitado con su belleza artística y visual. Y es este ultimo el que ha mayormente inspirado obras cinematográficas.
"Priest" (Scott Stewart, 2011), es una buena muestra de este nuevo sub-genero argumental, que amalgama de buena manera la estetica del papel con la del celuloide.   
En el futuro, la guerra entre los humanos y los vampiros han devastado al mundo. La Iglesia, la encarnación futura de la Iglesia Católica Romana, creó una organización de élite de guerreros espirituales, llamad "Priests", que eran capaces de matar a los vampiros. La mayoría de los vampiros fueron asesinados mientras que el resto fueron colocados en reservas. Para proteger a los humanos, la Iglesia creó ciudades fuertes y asiladas. Ya no necesitando los servicios de los Sacerdotes, la Iglesia los disolvió.
Un día un sacerdote no identificado (Paul Bettany, 1971), es abordado por Hicks, el sheriff de un pueblo cercano. Hicks le dice que su hermano Owen fue herido de muerte, su cuñada (y ex-novia, Shannon) fue asesinada por vampiros y la sobrina de Priest ha sido secuestrada. Hicks le pide a Priest su asistencia para seguir a Lucy. Priest va contra los deseos del Monseñor Orelas, el líder de la Iglesia, para hacerlo. El Monseñor Orelas envía a un grupo de cuatro Priest liderados por Priestess para capturarlo y traerlo de nuevo, vivo o muerto.
La película es dirigida por Scott Stewart y escrita por Cory Goodman y está basada en el cómic Coreano Priest por Min-Woo Hyung. Y así como se presenta la premisa de la historia oriental, nos integra en un mundo Orwellista y oscuro, dominado por una iglesia opresora y dictatorial, donde la mas mínima opinión distinta y confrontacional significa ir contra Dios. Nuevamente el director al igual que en su anterior cinta (Legion, 2010), enfrenta la fé cristiana, la iglesia con todo su poderío, al sentir y honor del ser humano.
Mension aparte en esta pelicula es la banda sonora compuesta por Christopher Young (1957), quien regresa a lo que mejor domina, ofreciéndonos una poderosisima banda de terror gótico. Plagada de coros y haciendo énfasis en un poderoso tema sinfónico, nos adentra en el mundo post-apocalíptico del protagonista.
La cinta es muy entretenida si se logra ver con cultura cómic y no tan apegada a la estética cinematográfica. Es rápida y los ángulos y planos de cámaras son como los cuadros de una revista que nos llevan por la oscura y historia. Sin caer en excesos visuales ni violentos como en la muy sobrevalorada película 300, la película funciona de la mejor manera.

Veanla, y aprendan a valorar lo que se les presenta.

Season of the Witch : Como aprender a apreciar una pelicula

Si bien Nicolas Cage (1964),  nunca ha sido un gran actor, siempre se ha agradecido que por lo menos sea solvente, aunque con muy poco registro de facciones y siempre representando al mismo personaje en la mayoría de sus películas; en estos últimos años su elección de cintas en las que participar no ha sido de las mejores, y este es un claro ejemplo.
"Season of the Witch" (Dominic Sena, 2011), dista mucho de ser una gran obra. Es una película pobre en un guión muy convencional y desperdiciado, que lamentablemente apenas toca el tema dedicado a los caballeros templarios y las cruzadas (algo muy poco utilizado en el cine), y que como dijo la prensa internacional, parece de factura pobre. Cage secundado por un siempre solvente Ron Perlman (1950), son un par de desertores de la lucha de la iglesia en el medio oriente que deciden volver a su amada Alemania natal.  Ambos se quedan sorprendidos al ver en Estiria los estragos de la peste bubónica en el continente europeo. En la ciudad de Marburgo, mientras buscan alimentos los dos caballeros son llamados ante el cardenal local, llamado Cardenal D'Ambroise (Christopher Lee 1922), por su regreso no programado desde Oriente.
El cardenal moribundo amenaza a Behmen y Felson (personajes de ambos actores), con una pena de prisión por desertar en sus funciones, a no ser que acepten llevar a cabo una peligrosa misión. En el calabozo del Cardenal se encuentran a una joven (Claire Foy) acusada de ser la bruja que trae la peste. Sólo se librarán de la pena de prisión si aceptan llevar a la joven a una abadía donde será juzgada. Durante su camino estarán acompañados por Hogomar (Stephen Graham), un joven ansioso de ser nombrado caballero, llamado Kay y el padre Debelzaq (Stephen Campbell Moore)y el caballero Eackhart. La ruta es larga y dura, atravesando profundas gargantas y bosques llenos de lobos.
Lamentablemente la pelicula queda a medio camino entre la aventura y el suspenso o terror. Tal vez si se ubiese decidido por un solo estilo, de preferencia este ultimo, la historia habría resultado mas concreta. Faltan vueltas de tuercas, faltan historias paralelas y tiempos en las escenas; en concreto falta creerse el cuento y jurársela por un guión que daba para mucho màs.
¿Lo rescatable?, lo hermosa y solvente de su protagonista, y lo lúgubre y frió de los paisajes escojidos en Austria, Hungria y Croacia. 
¿Como aprender a apreciar una pelicula?, siempre hay algo rescatable que encontrar en todas.