Como aprender a apreciar una pelicula : Algo de historia básica

  El cine fue oficialmente inaugurado como espectaculo en Paris, el 28 de diciembre de 1895. Desde entonces ha experimentado una serie de cambios en varios sentidos. Por un lado, la tecnología del cine ha evolucionado mucho, desde el primitivo cinematografo mudo de los hermanos Lumierè, hasta el cine digital del siglo XXI. Por otro lado, ha evolucionado el lenguaje cinematográfico, incluyendo las convenciones del género, creando así los generos cinematograficos. En tercer lugar, ha evolucionado con la sociedad, surgiendo así distintos movimientos cinematograficos y cinematografías nacionales.
Por un tiempo, el cine fue considerado una atracción menor, incluso un número de feria, pero cuando George Méliès usó todos sus recursos para simular experiencias mágicas, creando rudimentarios -pero eficaces- efectos especiales, los noveles realizadores captaron las grandes posibilidades que el invento ofrecía. De esta manera, en la primera década del siglo XX surgieron múltiples pequeños estudios fílmicos, tanto en Estados Unidos como en Europa. En la época, los filmes eran de pocos minutos y metraje, trataban temas más o menos simples, y tanto por decorados como por vestuario, eran de producción relativamente barata. Además, la técnica no había resuelto el problema del sonido, por lo que las funciones se acompañaban con un piano y un relator . Pero en este tiempo surgieron la casi totalidad de los géneros cinematográficos (ciencia ficcion, historicas o de epoca); el género ausente fue, por supuesto, la comedia musical, que debería esperar hasta la aparición del cine sonoro.
En E.E.U.U. el cine tuvo un éxito arrollador, por una peculiar circunstancia social: al ser un país de inmigrantes, muchos de los cuales no hablaban ingles, tanto el teatro como la prensa o los libros les estaban vedados por la barrera idiomática, y así el cine mudo se transformó en una fuente muy importante de esparcimiento y entretencion.
Oliendo este negocio, y basándose en su patente sobre el kinetoscopio, Thomas Alva Edison intentó tomar el control de los derechos sobre la explotación del cinematógrafo. El asunto no sólo llegó a juicio, de Edison contra los llamados productores independientes, sino que se libró incluso a tiro limpio. Como consecuencia, los productores independientes emigraron desde Nueva York y la costa este, donde Edison era fuerte, hacia el oeste, recientemente pacificado. En un pequeño poblado llamado Hollywood, encontraron condiciones ideales para rodar: días soleados casi todo el año, multitud de paisajes que pudieran servir como locaciones, y la cercanía con la frontera de Mexico, en caso de que debieran escapar de la justicia. Así nació la llamada Meca del Cine, y Hollywood se transformó en el más importante centro cinematográfico del planeta.
Suele hablarse de cine mudo, de la época silente o muda, y esto no es del todo exacto aunque es cierto que las proyecciones no podían por sí mismas sino mostrar imágenes en movimiento sin sonido alguno. Pero las proyecciones en las salas iban acompañadas de la música tocada por un pianista o una pequeña orquesta y además comentada por la voz de un explicador, imprescindible figura que hacía posible que multitudes analfabetas o inmigrantes desconocedores del idioma entendieran la película. Además las productoras encargaban partituras originales para sus películas más prestigiosas, con lo que al cine ya sólo le faltaba hablar, pero se tenía ya la concepción de una obra creada entre la imagen y el sonido. El cine mudo, en realidad, mudo del todo, en cierto modo no era.
En esos años, la técnica de contar una historia en imágenes sufrió una gran evolución. Los primeros cineastas concebían al cine como teatro filmado. En consecuencia, los escenarios eran simples telones pintados, y se utilizaba una cámara estática. A medida que pasó el tiempo, los directores aprendieron técnicas que hoy por hoy parecen básicas, como mover la cámara (por ejemplo, el travelling) o utilizarla en ángulo picado, contrapicado), pero que en esa época eran ideas revolucionarias. También se pasó desde el telón pintado al escenario tridimensional, por obra especialmente de los filmes historicos rodados en Italia en la década de los años diez ("Quo vadis?" o "Cabiria").
Dos cineastas fueron claves en este proceso. En Estados Unidos, David W. Griffith, con "El nacimiento de una nacion" e "Intolerancia", cambió el cine para siempre, hasta el punto que se afirma que con él nace de verdad el lenguaje cinematográfico. En la Union Sovietica, otro tanto realiza Sergèi Eisenstein, con películas claves como "El acorazado Potemkin" u "Octubre", entre otras; a Eisenstein se le debe el llamado montage de atracciones, que busca mezclar imágenes chocantes para provocar una asociación emocional o intelectual en el público. Gracias a ellos, y a los expresionistas alemanes ya mencionados, el lenguaje fílmico alcanza su madurez en la década de 1920.
El cine, como manifestación artística, cuenta con diversos movimientos o corrientes a lo largo del siglo XX. Las escuelas estéticas constituyen un conjunto de movimientos expresivos innovadores de la historia del cine. En algunos casos, supone la ruptura con los estilos anteriores, sobre todo del cine clásico de Hollywood, y en otros casos suponen un desarrollo de los estilos predecesores. El cine de vanguardia, supone una ruptura en la narrativa del cine convencional. Junto con la literatura y el arte dominaron el primer tercio del siglo XX. Las corrientes vanguardistas cuestionan los modos tradicionales de producción, difusión, exhibición y consumo de los objetos artísticos; y recurren a cuestiones relativas a la modernidad.
En cuanto al cine, se diferencian tres etapas en el movimiento vanguardista. En primer lugar, se encuentra el cine impresionista, representado por Abel Gance y René Clair. En segundo lugar está el cine surrealista francés y el cine abstracto alemán. Por último, se halla el cine independiente o documental.
El cine sonoro es aquel que incorpora en las películas sonido sincronizado o tecnológicamente aparejado con la imagen. Por su parte el cine mudo es aquel que no posee sonido, consistiendo únicamente en imágenes. Antes de la existencia del cine sonoro los cineastas y proyectistas se habían preocupado de crearlo, pues el cine nace con esa voluntad. Raras veces se exhibía la película en silencio. Por ejemplo, los hermanos Lumière, en 1897, contrataron un cuarteto de saxofones para que acompañase a la proyección de la película en su local de París. Hacia el año 1926, el cine mudo había alcanzado un gran nivel de desarrollo en cuanto a estética de la imagen y movimiento de la cámara. Había una gran producción cinematográfica en Hollywood y el público se contentaba con las películas producidas. No se exigía que los personajes comenzaran a hablar, ya que la música aportaba el dramatismo necesario a las escenas que se proyectaban en pantalla.
Los primeros experimentos con el sonido en el cine llegaron de la mano del físico francés Démeny, quien en 1893 inventó la fotografía parlante. Charles Pathé, combinó fonógrafo y cinematógrafo. En la mísma época, León Gaumont desarrolló un sistema de sonorización de películas, que presentó en la Exposicion Universal de Paris de 1902. La película sonora más exitosa fue "El cantante de jazz" (1927) en la que Al jolson se inmortalizó pronunciando las palabras inaugurales: «ustedes aún no han escuchado nada». Ante el éxito, pronto todos los grandes estudios montaron sus propias peliculas sonoras, y el cine mudo quedó olvidado.
La aparición del cine sonoro introdujo grandes cambios en la técnica y expresión cinematográfica, por ejemplo: la cámara perdió movilidad quedando relegada a la posición fija del cine primitivo y la imagen perdió su estética cediéndole importancia al diálogo. Los actores también se vieron implicados en este cambio técnico. Algunas grandes estrellas fílmicas de Hollywood vieron naufragar sus carreras ante su mala dicción, su pésima voz o su excesiva mímica. Debido a esto surgieron nuevos actores en su reemplazo. Una película que retrata esta transición del cine mudo al sonoro es el famoso musical "Cantando bajo la lluvia" (1952).
Quizás el único de los grandes del cine mudo que siguió haciendo filmes sin sonido fue Charles Chaplin como "Tiempos Modernos" (1936). Sin embargo, a partir de 1940 comienza a realizar películas con sonido, la primera de las cuales es "El gran dictador".

Priest : Como aprender a apreciar una pelicula

  No hay una ordenación universalmente aceptada entre esas seis artes (pintura, escultura, escultura, música, danza y poesía o literatura) que identifique un primer arte, segundo arte, tercer arte, cuarto arte, quinto arte o sexto arte. No obstante, sí que se utiliza la expresión séptimo arte para identificar al nuevo arte que se añada a la lista. Muy habitualmente se suele denominar así al cine, desde que Ricciotto Canudo acuñara la expresión en su Manifiesto de las siete artes (1911). Las expresiones octavo arte, noveno arte, décimo arte, etc. se utilizan de forma menos unívoca, para identificar como artes, y por tanto prestigiarlos, poniéndolos al mayor nivel posible entre todas las manifestaciones Artísticas y culturales, al cómic, la fotografía, la television la publicidad, los videojuegos, etc.
 Se llama historieta o cómic a una "serie de dibujos que constituye un relato", "con texto o sin él", el interés por el cómic puede tener muy variadas motivaciones, desde el interés estético al sociológico, de la nostalgia al oportunismo. Durante buena parte de su historia fue considerado incluso un subproducto cultural, apenas digno de otro análisis que no fuera el sociológico, hasta que en los años 60 del pasado siglo se asiste a su reivindicación artística.
El cine y el cómic comparten una larga historia de influencias mutuas. En este sentido, Federico Fellini manifestaba que "los cómic que se realizan acercándose demasiado a la técnica cinematográfica son para mí los menos hermosos, los menos logrados" de tal manera que los "que merecen consideración son aquellos que han inspirado al cine y no al revés".
Los estilos de un cómic pueden ser los mas variados; desde lo erótico, lo vulgar hasta el policial, desde el realista hasta el futurista fantástico, nos han deleitado con su belleza artística y visual. Y es este ultimo el que ha mayormente inspirado obras cinematográficas.
"Priest" (Scott Stewart, 2011), es una buena muestra de este nuevo sub-genero argumental, que amalgama de buena manera la estetica del papel con la del celuloide.   
En el futuro, la guerra entre los humanos y los vampiros han devastado al mundo. La Iglesia, la encarnación futura de la Iglesia Católica Romana, creó una organización de élite de guerreros espirituales, llamad "Priests", que eran capaces de matar a los vampiros. La mayoría de los vampiros fueron asesinados mientras que el resto fueron colocados en reservas. Para proteger a los humanos, la Iglesia creó ciudades fuertes y asiladas. Ya no necesitando los servicios de los Sacerdotes, la Iglesia los disolvió.
Un día un sacerdote no identificado (Paul Bettany, 1971), es abordado por Hicks, el sheriff de un pueblo cercano. Hicks le dice que su hermano Owen fue herido de muerte, su cuñada (y ex-novia, Shannon) fue asesinada por vampiros y la sobrina de Priest ha sido secuestrada. Hicks le pide a Priest su asistencia para seguir a Lucy. Priest va contra los deseos del Monseñor Orelas, el líder de la Iglesia, para hacerlo. El Monseñor Orelas envía a un grupo de cuatro Priest liderados por Priestess para capturarlo y traerlo de nuevo, vivo o muerto.
La película es dirigida por Scott Stewart y escrita por Cory Goodman y está basada en el cómic Coreano Priest por Min-Woo Hyung. Y así como se presenta la premisa de la historia oriental, nos integra en un mundo Orwellista y oscuro, dominado por una iglesia opresora y dictatorial, donde la mas mínima opinión distinta y confrontacional significa ir contra Dios. Nuevamente el director al igual que en su anterior cinta (Legion, 2010), enfrenta la fé cristiana, la iglesia con todo su poderío, al sentir y honor del ser humano.
Mension aparte en esta pelicula es la banda sonora compuesta por Christopher Young (1957), quien regresa a lo que mejor domina, ofreciéndonos una poderosisima banda de terror gótico. Plagada de coros y haciendo énfasis en un poderoso tema sinfónico, nos adentra en el mundo post-apocalíptico del protagonista.
La cinta es muy entretenida si se logra ver con cultura cómic y no tan apegada a la estética cinematográfica. Es rápida y los ángulos y planos de cámaras son como los cuadros de una revista que nos llevan por la oscura y historia. Sin caer en excesos visuales ni violentos como en la muy sobrevalorada película 300, la película funciona de la mejor manera.

Veanla, y aprendan a valorar lo que se les presenta.

Season of the Witch : Como aprender a apreciar una pelicula

Si bien Nicolas Cage (1964),  nunca ha sido un gran actor, siempre se ha agradecido que por lo menos sea solvente, aunque con muy poco registro de facciones y siempre representando al mismo personaje en la mayoría de sus películas; en estos últimos años su elección de cintas en las que participar no ha sido de las mejores, y este es un claro ejemplo.
"Season of the Witch" (Dominic Sena, 2011), dista mucho de ser una gran obra. Es una película pobre en un guión muy convencional y desperdiciado, que lamentablemente apenas toca el tema dedicado a los caballeros templarios y las cruzadas (algo muy poco utilizado en el cine), y que como dijo la prensa internacional, parece de factura pobre. Cage secundado por un siempre solvente Ron Perlman (1950), son un par de desertores de la lucha de la iglesia en el medio oriente que deciden volver a su amada Alemania natal.  Ambos se quedan sorprendidos al ver en Estiria los estragos de la peste bubónica en el continente europeo. En la ciudad de Marburgo, mientras buscan alimentos los dos caballeros son llamados ante el cardenal local, llamado Cardenal D'Ambroise (Christopher Lee 1922), por su regreso no programado desde Oriente.
El cardenal moribundo amenaza a Behmen y Felson (personajes de ambos actores), con una pena de prisión por desertar en sus funciones, a no ser que acepten llevar a cabo una peligrosa misión. En el calabozo del Cardenal se encuentran a una joven (Claire Foy) acusada de ser la bruja que trae la peste. Sólo se librarán de la pena de prisión si aceptan llevar a la joven a una abadía donde será juzgada. Durante su camino estarán acompañados por Hogomar (Stephen Graham), un joven ansioso de ser nombrado caballero, llamado Kay y el padre Debelzaq (Stephen Campbell Moore)y el caballero Eackhart. La ruta es larga y dura, atravesando profundas gargantas y bosques llenos de lobos.
Lamentablemente la pelicula queda a medio camino entre la aventura y el suspenso o terror. Tal vez si se ubiese decidido por un solo estilo, de preferencia este ultimo, la historia habría resultado mas concreta. Faltan vueltas de tuercas, faltan historias paralelas y tiempos en las escenas; en concreto falta creerse el cuento y jurársela por un guión que daba para mucho màs.
¿Lo rescatable?, lo hermosa y solvente de su protagonista, y lo lúgubre y frió de los paisajes escojidos en Austria, Hungria y Croacia. 
¿Como aprender a apreciar una pelicula?, siempre hay algo rescatable que encontrar en todas.

como aprender a apreciar una pelicula

"La belleza está en los ojos del que mira"
Mucha razón tiene ese dicho. Todo lo bello y hermoso es circunstancial e inherente al observador. Lo que es lindo para unos, no necesariamente es para otros; lamentablemente los gustos no son parejos y las discusiones de lo que se vé son eternas. En "como aprender a apreciar una pelicula" trato de aunar criterios y ayudarles a reconocer la belleza en diferentes cintas. La variedad de filmes nos hace pensar que es muy difícil, pero teniendo las herramientas de conocimiento, de saber, de reconocer lo que se está observando, nos dice lo contrario. No todas las películas tristes son buenas ("La vida es bella"), ni todas las películas de grandes presupuestos son de calidad("Troya")
El pensar que una gran superproduccion tiene el Olimpo ganado es un error del porte del Titanic (perdón por la comparacion), ya que muchas veces mas es menos. Mientras más elementos le agregas a una película, lo mas seguro es que tendrás un despropósito enorme.
La gran belleza que nos dán los cortos o mediometrajes radica en que en poco tiempo deben ir directo al grano en lo que deben decir. Con los minutos contados, cada plano cuenta, pero si la historia es buena, profunda y merece una mayor refleccion, tenemos la obligación de prestarle mayor atención.
Por lo general nos fijamos en los demás sin preocuparnos de nuestros propios defectos; o simplemente no nos damos el tiempo para conocer a alguien realmente sin importar sus defectos. Sobre eso nos habla el cortometraje del 2009 "The Butterfly Circus", del realizador Joshua Weigel y ganador del concurso anual de cortos que organiza www.thedoorpost.com anualmente. Con un mensaje de esperanza, de motivacion y de reto personal, nos conmueve hasta lo mas profundo sin dejar de hacernos sentir avergonzados por nuestras conductas para con los demás. Todos siempre reclamamos por algo superfluo, banal y que realmente no importa, pero este corto nos dice lo contrario valiéndose de un estupendo protagonista que debe aprender  primero a quererse a sí mismo, para luego hacerse valer como persona.
Mención aparte la historia del protagonista en la vida real, Nick Vujicic.

Recuerden siempre. "Es mejor encender una vela, que maldecir la oscuridad"

KIWI : La fuerza de las imagenes

Para saber bien como aprender a apreciar una película, a veces tenemos que partir conectándonos con nuestros sentimientos de a poco, con algún cortometraje por ejemplo. La fuerza de estos mismos está (valga la redundancia) en lo inteligente de sus realizadores en contar una historia en pocos minutos. Si la historia es buena y la música que acompaña también, estaremos transportados a pequeños cuentos a los pocos segundos, sino, vá a ser un verdadero fastidio.
Un buen realizador de cortometrajes escoje de forma detallada todas y cada una de sus imágenes de tal manera que cada encuadre nos debe decir algo en sí, cada toma es perfectamente muy bien iluminada y cada segundo es de suma importancia para transmitir el cuento. Ninguno falta y ninguno debe faltar, todos en un solo objetivo desde el inicio hasta el ultimo segundo de proyección. Como pequeño ejemplo es un deber ver el corto animado "KIWI" (2006), una pequeña historia tesis de un realizador joven que junto a una solida y muy sencilla banda sonora, nos cuenta de los sueños de una pequeña ave que por tener pequeñas alas está imposibilitada de volar, pero no de soñar. La historia es simple y triste pero la metáfora, si logran entenderla, nos dice en pocas palabras (o imágenes en este caso), que nuestros sueños nunca deben ser truncados por las imposibilidades que nos pone la vida por delante, que siempre debemos avanzar en pos de ellos hasta el final sin importar hasta donde lleguemos. Solo así, siendo fieles a nuestros deseos seremos felices

Hachiko : como aprender a apreciar una pelicula

Si bien el ejemplo anterior fué algo antiguo en su filmacion, no deja de sorprendernos la utilizacion de los planos y tiempos visuales por Chaplin. Ya en esos tiempos tenían claridad los directores sobre los encuadres y primeros planos, así como los tiempos de duración de una imagen en la pantalla para probocar al espectador.
Los tiempos visuales son los que nos mantienen alerta y nos internan más y más en la historia. Pero en caso del cine, además de imagen y movimiento, no nos debemos olvidar que también es sonido.
Desde antes de la incorporación formal del mismo a las cintas, su imporatancia ya era notoria ya que estas se proyectaban muchas veces con sonido directo de alguna orquesta o músico. La historia nos lleva por diferentes realizadores y bandas sonoras que dan énfasis a las imagenes a través de los minutos de proyección con su música, que como alguien dijo "La música es el alma de una película que nos llega a través de los oídos". Como olvidar las inmortales melodías de "Lo que el viento se llevó" (Victor Fleming, 1939) o de "La Mision",(Roland Joffé, 1986)
Cuando actualmente vemos una película, los estilos musicales ya han sido definidos hace muchos años por decenas de creadores que nos han acostumbrado vía repetición a los sonidos que nos mecerán de seguro; Y nuevamente vamos a los mismos recursos utilizados con las imagenes: sonidos lentos y cadenciosos para la pena, notas sostenidas y repentinas para el miedo y terror, o notas chispeantes y movidas para la comedia.
Hace un tiempo tube la pena de ver (digo la pena ya que lloré como niño), la película de Lasse Hallstrom "Hachiko: A dog´s story" (2009), una bellisima historia basada en un hecho real de 1934, pero actualizada a los días recientes. Además de ser una historia triste en sí, la utilizacion de los recursos dramáticos es notoria y esclarecedora para quienes (llanto de por medio) deseen aprender a apreciar una película. Las imagenes son preciosamente acompañadas con una muy solida banda sonora de Jan A.P. Kaczmarek, basada básicamente en un melódico solo de piano.
Los tiempos musicales y visuales se hacen mucho mas notorios hacia el final de la cinta, especialmente en los momentos en que el can (tienen que verla), camina lentamente hacia la estación de trenes casi al final de sus días, en unas tomas que desgarran el corazón y nos damos cuenta como nos han manipulado de la mejor manera, lo que quiere decir que la película cumplió plenamente su objetivo.
En las siguientes imagenes, un verdadero regalo para la vista y para los oídos de mi hacia ustedes. Que lo gocen y lo disfruten y les sirva realmente para aprender sobre la belleza de la vida.

The Kid : Como aprender a apreciar una pelicula

Como aprender a apreciar una pelicula es fácil si nos vamos a la raíz, al verdadero motivo de la invención del cine y sus prioridades. Cuando fué patentado el cinematógrafo el 13 de febrero de 1894 por los hermanos Auguste y Louis Lumière, no era mas que una simple diversión sin futuro, la que solo les ayudó a aumentar sus entradas económicas y mejorar sus negocios.O sea desde su nacimiento ya era considerado un divertimento popular (para ira de los puristas), el que con el tiempo se transformaría a principios de siglo en el gran escape de las sociedades de bajo nivel social.
Pocos fueron los que al principio se dieron cuenta que haciendo películas además de divertir podían transmitir emociones mas fuertes y enriquesedoras en el publico.
Ahora en lo básico, para transmitir emociones diferentes el cine usa un único recurso simple y solido a la vez, el tiempo. Me explico: una persona al reírse jamás lo hace por mas de unos minutos, o hasta una hora a lo sumo (sea por el motivo que sea). En cambio la pena y el dolor en el ser humano se mantiene mucho más. Sea por la causa que sea, uno puede llegar a llorar o estar triste días enteros y mucho tiempo más, ya que a diferencia de la risa, el llanto y la congoja nos llega hasta el centro del corazón y del alma. No así la risa que generalmente no pasa de ser un estado superficial.
Cuando vemos una película triste y dependiendo del grado de tristeza que quiera transmitir el realizador, el tiempo utilizado en la pantalla es mucho mas lento, mas pausado y  notoriamente con una intención de remecernos.
En una comedia, los planos son mas cortos, los gags mas rápidos y generalmente sorpresivos.
Un gran ejemplo de realizador genio, visionario, que utilizó ambos recursos en una misma pelicula (se dice que es el único que puede hacerte reir y al segundo después, llorar), es el del maestro CHARLES CHAPLIN, en la pelicula The Kid.

X MEN, First Class

Parecerá raro que les hable de esta película, pero espero explicarme mas adelante. El otro día la fui a ver y me pareció muy buena, a pesar de todos los prejuicios que uno pudiera tener con una película basada en personajes de comics. Sinceramente esperé encontrarme con la típica historia de super-héroes girando en torno a si mismo y con algo del mundo "normal" a su alrededor, pero no. La historia fué mas densa y con muchos más matices, los personajes estaban mucho mejor delineados y además de saber como es la primera reunión de los dos personajes centrales (por eso la fui a ver), la historia se inmiscuye en sus miedos, trancas, en sus sueños y en sus anhelos, ya sean de venganza  o de unidad benefactora.
En este caso el guión literario (hay mas de un tipo de guion en una misma película), está muy bien definido en los planteamientos psicológicos de la mayoría de los mutantes. El entorno en que se desarrolla la historia conduciéndonos por diferentes acontecimientos mundiales, nos transmite aún más la sensacion de estar viendo una película en sí, a diferencia de las anteriores que giraban en torno a su propio mundo con algo de mirada exterior apenas. Además, el sentido de soledad personal de ellos, mostrándonos que hasta ese momento estaban realmente ocultos de la sociedad por miedo al rechazo general (¿hay allí una lectura sobre la homosexualidad?), nos facilita y nos interna en el porqué de sus decisiones posteriores.
X-Men, first class, es una buena película en el sentido de guiarnos hasta un mundo paralelo, el que nos entretiene, distrae y nos hace escapar por unas dos horas de los verdaderos monstruos nuestros, los que están afuera de la sala del cine.

Algo de historia personal

¿Que me importa dirán ustedes?. La verdad es que no tiene porque importarles. Pero es algo que quiero hacer y con eso espero se den cuenta cuan importante es nuestra vida pasada y las experiencias que de ella hemos adquirido.
A mi madre desde joven le atrajo el mundo del espectáculo. Los shows en vivo, los conciertos y los artistas que se presentaban en la cuidad eran su distracción de la vida de ama de casa. Cuando los dineros escaseaban o simplemente por esperar a mi padre a la salida del trabajo, se pasaba a ver una función de 2 y hasta 3 películas en un día. Se sabia la vida de todas las estrellas de Hollywood, sus carreras y su vida personal. Tal vez, y sin saberlo al quedar embarazada de su único hijo fué involuntariamente traspasandole esa fascinasion por el cine.
La primera película de que tengo memoria haber visto en el cine fué una oriental de Karate llamada "el hombre de singapur" (creo que así se llamaba), pero en realidad ese día había ido a ver la segunda proyección, que era Young Frankenstein, (1974 Mel Brooks). La que en realidad no entendí mucho ni porque se reía tanto la gente
Desde niño he visto películas. En television cada tarde, en el cine cada vez que podía y generalmente todos los sábados. Mis gustos variaron desde lo básico a lo popular, desde lo típico yanqui a lo oriental, de lo simple a lo mas difícil de apreciar. Siempre variando y disfrutando de avanzar sin camino ni pauta alguna; solo el destino guiaba mis gustos.
Aprender es bellisimo, saber en gratificante y emocionante. No pierdan núnca la oportunidad de como aprender a apreciar una pelicula

127 Horas : Como aprender a apreciar una pelicula

Aunque paresca un curso raro y obvio, no lo es en absoluto. Mi finalidad a través de las ideas que expondré posteriormente es tratar de lograr que ustedes logren apreciar, disfrutar y comprender el verdadero valor de ciertas cintas que nos enseñan muchas cosas mas allá de las obvias. Así como nos hablan de crecimiento personal, así como nos enseñan de las bellezas que están a nuestro alrededor o simplemente de disfrutar de la simpleza de la vida
Primero que todo como norma básica (no obligatoria, pero si 99 % necesaria), es ver todas las películas que vamos a nombrar en este sitio.
Ustedes pensaran que es fácil apreciar una película; que es sólo pagar la entrada, sentarse en su butaca y esperar que la proyección nos entretenga comiendo un buen paquete de "cabritas"(una aclaración, así les denominamos en mi país a los pop corn, maíz tostado, etc, etc según sea el caso). Pero les tengo que informar con un rotundo NO, que están muy equivocados. Que con hacer eso están aprovechando con suerte el 20% de una película si no tienen en cuenta todos los recursos con los que podrían contar si no han aprendido a disfrutarlas.
Admito que es muy tentador comer un hot dog o una hamburguesa de vez en cuando, pero no es comparable al placer de una buena cena hecha en casa con cariño y dedicación, unos buenos platos de entrada y principal junto a una buena copa de vino. ¿Se entiende la comparación?
Antes que se me olvide: yo solo trataré de enseñarles y transmitirles el placer y el gusto de ver una cinta, de disfrutarla como tal y de reconocer sus falencias. ¿Sobre la historia del cine?, eso si quieren busquenla en una biblioteca o en wikipedia.
 Como aprender a apreciar una película no es difícil si abrimos nuestra mente y no nos dejamos llevar por prejuicios anteriores que lo único que hacen es estrecharnos el camino. ¿Como lograrlo?. La respuesta es simple y difícil a la vez. Viendo cine, así de simple y lógico. Así de obvio; pero así también es el hostigoso trabajo que debemos darnos a nosotros mismos.
Comensaré con algo sencillo: un solo pié
Si, un pié humano nada más. ¿A que me refiero?; nada mas y nada menos que al refrescante momento vivido por James Franco al estirar su pierna y  tocar el sol por unos momentos en la película 127 horas (Danny Boyle)
Durante toda la película el director nos inserta y logra enfrentarnos a los miedos y padecimientos del protagonista en aquella experiencia (no sin cierta parafernalia de por medio), con una visión casi documental, pero fuerte en su mensaje e imagenes, las que no dan respiro en el dolor y agonía del protagonista. La película es buena y entretenida, pero los momentos culmines y de verdadera transmisión de tacto, si, tacto digo bien son cuando estira su pié como antes dije, cuando toca con los dedos de su mano la rugosa superficie de las paredes de la montaña, o el terrible momento culmine del film cuando aún queda el ultimo nervio por cortar.
¡Es allí donde la película logra su cometido!. Es en esos momentos cuando nos encontramos realmente junto al protagonista padeciendo sus dolores. Lástima que en las casi dos horas de historia sean solo unos segundos los que nos quedan en la piel.
Sobre la historia y el guion, y como la desarrolla Danny Boyle, se pueden leer varias criticas y se puede estar o no de acuerdo con los comentarios en lo formal, pero lo que debe importarnos es si el mensaje fué bien transmitido y si se logró traspasar la barrera de la pantalla hacia nuestro asiento
Pelicula recomendada hoy: 127 horas , tiene sus peros, aún así vale la pena verla